Fa MR. Pickles mostra nudità?
Riepilogo:
1. Sig. Pickles non mostra alcuna nudità nello show televisivo.
2. Lo spettacolo è classificato TV-MA, che indica il contenuto per il pubblico maturo.
3. Gli spettacoli TV-MA possono contenere un linguaggio forte, un contenuto sessuale esplicito, una nudità o una violenza intensa.
4. La valutazione TV-MA è rara per la televisione libera da aria a causa delle normative FCC sulla programmazione oscena.
5. HBO e Showtime hanno molti spettacoli con una valutazione TV-MA.
6. L’intensità di un programma classificato TV-MA può variare a seconda della rete.
7. Le reti via cavo premium e i servizi di streaming online consentono più contenuti grafici e gravi.
8. I servizi online spesso richiedono la verifica dell’età prima di accedere ai contenuti TV-MA.
9. Prima dei controlli parentali, il contenuto TV-MA non era disponibile su Disney+ negli Stati Uniti.
10. Ci sono oltre 102.000 titoli classificati TV-MA elencati su IMDB.
11. “Sig. Pickles “è uno show televisivo animato per adulti sugli alieni che vivono nell’America suburbana.
Domande:
1. Lo show televisivo “Mr. Pickles “mostra qualsiasi nudità?
No “, signor. Pickles “non mostra alcuna nudità nello show televisivo.
2. Cosa indica la valutazione TV-MA?
La valutazione TV-MA indica i contenuti per il pubblico maturo. Può contenere un linguaggio forte, un contenuto sessuale esplicito, una nudità o una violenza intensa.
3. Perché la valutazione TV-MA è rara sulla televisione gratuita?
La valutazione TV-MA è rara per la televisione libera da aria a causa delle normative FCC sulla programmazione oscena.
4. Quali reti hanno molti spettacoli con una valutazione TV-MA?
HBO e Showtime hanno molti spettacoli con una valutazione TV-MA.
5. Come varia l’intensità di un programma classificato TV-MA?
L’intensità di un programma classificato TV-MA può variare a seconda della rete su cui va in onda.
6. Che tipo di contenuto è consentito nei programmi classificati TV-MA?
I programmi classificati TV-MA possono contenere un linguaggio forte, un contenuto sessuale esplicito, una nudità o una violenza intensa.
7. I servizi di streaming online hanno qualsiasi restrizione di età per i contenuti TV-MA?
Sì, la maggior parte dei servizi di streaming online richiede la verifica dell’età prima di accedere ai contenuti TV-MA.
8. Il contenuto TV-MA era disponibile su Disney+ prima che fossero introdotti i controlli dei genitori?
No, il contenuto TV-MA non era disponibile su Disney+ negli Stati Uniti prima dell’introduzione dei controlli parentali.
9. Quanti titoli classificati TV-MA sono elencati su IMDB?
Ci sono oltre 102.000 titoli classificati TV-MA elencati su IMDB.
10. Qual è lo show televisivo “Mr. Sottaceti “intorno?
“Sig. Pickles “è uno show televisivo animato per adulti sugli alieni che si schiantano in una casa di periferia in America.
Fa MR. Pickles mostra nudità
Ci sono molti film su Hollywood, ma pochi catturano il peccato originale di Los Angeles con precisione che strappa la pelle come Roman Polanski’S Neo-Noir, ambientato negli anni ’30 che si aprirà la LA’sra terra per rivelare il pozzo umano che lo guida. Scritto da Robert Towne, il film segue Jack Nicholson’S Jake Gittes, un occhio privato su quello che pensa sia un semplice caso da tradimento. Invece, lui’S trascinato nel mondo infernale di Los Angeles Water Politics, seguendo il seducente ma misterioso Evelyn Mulwray (Faye Dunaway), i cui segreti sono molto più scuri di qualsiasi cosa avrebbe potuto immaginare. Towne e Polanski usano il crimine di come la città infastidita da siccità ha importato acqua attraverso il mal. Le immagini sembrano segate, l’illuminazione aspra associata a noir che lascia il posto a una luce quasi oppressiva. Esso’s un film che ti fa sentire icky – come i bravi ragazzi non potranno mai vincere. E quello’è solo l’intenzione. —E.Z.
Fa MR. Pickles mostra nudità?
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TV-MA
Programmazione valutata TV-MA Negli Stati Uniti dalle linee guida per i genitori TV significa contenuti per il pubblico maturo. Corrisponde alla valutazione R dell’MPA per i film e alla valutazione M dell’ESRB per i videogiochi. I programmi con questa valutazione non sono generalmente adatti a persone o individui sotto i 17 anni (alcune fonti possono dire 18). Il contenuto è adatto solo per un pubblico maturo e può contenere un forte linguaggio grossolana (che può o meno essere censurato per motivi pubblicitari), espliciti (sebbene in alcuni casi, non pornografico) contenuto sessuale, nudità o violenza intensa/grafica.
Questa valutazione è rara per la televisione libera-aria a causa delle norme della FCC sulla programmazione oscena.
Era originariamente chiamato TV-M, Tuttavia quel nome è stato utilizzato solo da gennaio a luglio 1997. È stato modificato a causa di sospetti problemi di marchio dalla scheda di valutazione del software di intrattenimento rispetto alla valutazione simile “M per maturi” per i videogiochi. È stato cambiato in TV-MA valutazione che conosciamo oggi.
La maggior parte degli spettacoli su HBO e Showtime ricevono questo rating. Gli spettacoli notevoli con questa valutazione includono Parco Sud (Comedy Central; tranne in alcune trasmissioni sindacate), Jackass (MTV), Nip/Tuck (FX), I Soprano (HBO), Predicatore (AMC), Ren & Stimpy: cartone animato per feste per adulti (Arpione), Dexter (Orario dello spettacolo), Robot pollo, The Boondocks, signor. Sottaceti (Nuoto per adulti), e Game of Thrones (HBO).
La valutazione TV-MA è probabilmente la più diversificata in televisione americana. I programmi classificati TV-PG e TV-14 tendono ad essere leggermente simili nei contenuti, ma l’intensità di un programma classificato TV-MA può variare. Ciò dipende in particolare dalla rete su cui va in onda. Ad esempio, è probabile che una serie HBO contenga un linguaggio, una nudità e una violenza più forti rispetto a una rete via cavo di base standard anche. Tuttavia, il cavo di base ha fatto passi da gigante nel corso degli anni grazie a reti come FX (la più grande eccezione finora), che è praticamente nota per aver saltato sui limiti delle limitazioni dei contenuti. Tuttavia, i programmi con questa valutazione possono talvolta avere versioni modificate o censurate.
Sebbene la valutazione TV-MA significhi che un programma è tecnicamente realizzato per i 17 anni (18 in alcuni casi), i programmi con questa valutazione a volte possono essere più grafici e gravi di quelli che i film di raggio R in genere consentirebbero, grazie all’esistenza di reti via cavo premium e ad alcuni servizi di streaming online. Per questo motivo, la maggior parte dei servizi online, come HBO, Funimation e Showtime, richiedono alle persone di confermare che hanno almeno 18 anni prima di guardare episodi che sono classificati TV-MA. Pertanto, i genitori devono prendere questa valutazione molto seriamente online.
Prima dell’introduzione dei controlli parentali il 16 marzo 2022, nessun contenuto classificato TV-MA poteva essere trasmesso in streaming su Disney+ negli Stati Uniti; Tale contenuto viene scaricato su Hulu.
Contenuti
Elenco
A partire dal 27 ottobre 2022, ci sono oltre 102.000 titoli classificati in TV-MA secondo IMDB. (elenco)
TV di animazione per adulti
Una squadra di quattro alieni sfuggono al loro mondo natale che esplode solo per schiantarsi in una casa pronta in America suburbana. Sono uniformemente divisi sul fatto che la terra sia terribile o fantastica. Korvo (Justin Roiland) e Yumyulack (Sean Giambrone) vedono solo l’inquinamento, il consumismo grossolana e la fragilità umana mentre Terry (Thomas Middleditch) e Jesse (Mary Mack) amano gli umani e tutto il loro tv, il cibo spazzatura e le cose divertenti. La loro missione: proteggere la pupa, un super computer vivente che un giorno si evolverà nella sua vera forma, li consumerà e terraformerà la terra.
TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2020)
Dicktown
Benvenuti a Richardsville, NC (alias Dicktown alla gente del posto), il suo famoso detective ragazzo, John Hunchman, e il suo muscolo assunto, David Purefoy. Tranne che non sono più ragazzi e mentre sono ancora detective, risolvono ancora solo i crimini per gli adolescenti. Presentato da Cake su FX.
TVMA • Commedia, animazione • Serie TV (2020)
Arciere
Il soave, fiducioso e devastantemente bello arciere può essere il mondo’è la più grande spia, ma ha ancora problemi con i suoi amici e colleghi che vivono per minare e tradire l’un l’altro. Sia ambientati a Los Angeles degli anni ’40, nelle giungle del Sud America o nelle Isole pericolose del Sud Pacifico, “ Archer ”, questa commedia animata attraversa il tempo e il luogo per navigare Sterling, Lana, Malory, Cheryl/Carol/Charlotte, Cyril, Pam, Ray e Krieger’S fusuanti errati che vanno dal tentativo di salvare il mondo dal disastro nucleare alla vendita di narcotici illegali ai cartelli colombiani.
TVMA • Azione, commedia • Serie TV (2009)
Rick e Morty
Rick e Morty è uno spettacolo su uno scienziato sociopatico che trascina il suo nonintelligente nipote in avventure follemente pericolose in tutto l’universo. Creato ed esecutivo prodotto da Dan Harmon (Community, Channel 101) e Justin Roiland (House of Cosbys).
TV14 • Commedia, animazione • Serie TV (2013)
Psychotown
Una satira ritagliata per il mondo post-verità. Certo, i leader mondiali sono in guerra nucleare, ma come si sente il tuo compagno di stanza? Quindi, tuo marito pensa che i caschi di realtà virtuale per i neonati siano una buona idea? Aspetta, è quella folla arrabbiata fuori che brucia un’effigie? Presentato da Cake su FX.
Commedia • Serie TV (2020)
Attraversare le spade
Dai produttori di Robot Chicken, Crossing Swords segue un aspirante eroe di buon cuore di nome Patrick, che atterra il lavoro dei suoi sogni come uno scudiero, solo per imparare il castello reale è un calabrone corrotto’S Nest di monarchi arrapati, truffatori e ciarlatani. War, Murder, Full-Frontal Nudity: che sapevano che le persone di colorazione dai colori vivaci guidavano vite così emozionanti?
TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2020)
Littlekenny
Ci sono 500 bambini alla Letterkenny Central School, e questi sono i loro problemi.
TVMA • Commedia, Animazione • Serie TV (2019)
Marvel’s m.O.D.O.K.
Prendere il controllo del mondo non si è mai sentito più lontano come il super cattivo megalomane M.O.D.O.K. lotta per mantenere il controllo sulla sua organizzazione malvagia e sulla sua famiglia impegnativa.
Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2021)
Futurama TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (1999)
King of the Hill TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (1997)
Family Guy TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (1999)
Bob’s Burgers TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2011)
Rick and Morty TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (2013)
Family Guy TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (1999)
Bob’s Burgers TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2011)
Bless The Harts TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2019)
Duncanville TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2020)
Figlio di Zorn TV14 • Commedia, SITCOM • Serie TV (2016)
Family Guy TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (1999)
Bob’s Burgers TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2011)
padre americano! TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (2005)
Rick and Morty TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (2013)
King of the Hill TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (1997)
Futurama TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (1999)
The Simpsons TVPG • Commedia, Animazione • Serie TV (1989)
Duncanville TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2020)
Archer TVMA • Azione, commedia • Serie TV (2009)
The Great North TVPG • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2021)
The Cleveland Show TV14 • Animazione, SITCOM • Serie TV (2009)
Solar Opposites TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2020)
Brickleberry TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2012)
Mike Judge Presents: Tales from The Tour Bus TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2017)
The PJS TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (1999)
Bless The Harts TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2019)
Sig. Pickles TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2013)
Fugget About It TVMA • Commedia, SITCOM • Serie TV (2012)
Bordertown TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (2016)
Animazione per adulti di Hit-Monkey della Marvel, Animazione • Serie TV (2021)
Cowboy Bebop TV14 • Science Fiction, Anime • Series (1998)
House Broken TVPG • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2021)
Todd McFarlane’s Spawn TVMA • Fantasy, Science Fiction • Serie TV (2017)
Crossing Swords TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2020)
Il nostro presidente dei cartoni animati TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2018)
Marvel’s m.O.D.O.K. Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2021)
Mother Up TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2013)
Napoleon Dynamite (2012) TVPG • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2012)
The Awesomes TV14 • Commedia, Superheroes • Serie TV (2013)
Out Out TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2013)
Animals TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2016)
Animation Domination TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2015)
The Awesomes en Español TV14 • Latino, commedia • Serie TV (2013)
The Cleveland Show TV14 • Animazione, SITCOM • Serie TV (2009)
Solar Opposites TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2020)
Brickleberry TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2012)
Mike Judge Presents: Tales from The Tour Bus TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2017)
The PJS TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (1999)
Bless The Harts TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2019)
Sig. Pickles TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2013)
Fugget About It TVMA • Commedia, SITCOM • Serie TV (2012)
Bordertown TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (2016)
Cowboy Bebop TV14 • Science Fiction, Anime • Series (1998)
House Broken TVPG • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2021)
Todd McFarlane’s Spawn TVMA • Fantasy, Science Fiction • Serie TV (2017)
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Mother Up TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2013)
Napoleon Dynamite (2012) TVPG • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2012)
The Awesomes TV14 • Commedia, Superheroes • Serie TV (2013)
Out Out TV14 • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2013)
Animals TVMA • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2016)
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Cowboy Bebop TV14 • Science Fiction, Anime • Series (1998)
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Napoleon Dynamite (2012) TVPG • Animazione per adulti, commedia • Serie TV (2012)
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padre americano! TV14 • Commedia, Animazione • Serie TV (2005)
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I 100 migliori film degli anni ’70
Dall’esorcista a Eraserhead, epopee blaxploitation ai successi, i film del padrino alle avventure ambientate in una galassia lontana, lontana – le nostre scelte per i più grandi film nel più grande decennio del cinema americano
Rolling Stone 12 maggio 2023
In senso orario da sinistra: “Eraserhead, The Godfather: Part II,” The Exorcist “,” Star Wars “e” Blazing Saddles.’Everett Collection, 7
È stato il decennio che ci ha regalato film di mezzanotte, moderni successi, epopee blaxploitati. IL “Brat del film” erano in piena fioritura, e dopo che il sistema in studio aveva lasciato che i barbari barbuti attraverso il cancello, il pubblico era dotato di quella che sembrava una nuova bella visione cupa della vita americana su base settimanale. Più tardi, pugili, adolescenti in bicicletta, bambini di baseball e giocatori di hockey a discesa dimostrerebbero che a volte i perdenti vincono anche se indossano’T In realtà vincita. Questi sono stati gli anni in cui abbiamo imparato ad avere paura di squali, slasher mascherati e giovani che si frastupiscono. (In tutta onestà fiera per Regan MacNeil, il diavolo l’ha fatto farlo.)
Là’è un motivo per cui gli anni ’70 sono idolatrati, feticsizzati e costantemente inventati da diverse generazioni di cinefili: la pura abbondanza di grandi film che sono usciti durante quell’arco di 10 anni, in particolare (ma non esclusivamente) dai cineasti americani. Guardando indietro alla seconda età d’oro di Hollywood mentre questo gruppo di scrittori ha tentato di lottare con la nozione dei 100 migliori film degli anni ’70,’s melodi per pensare a così tanti di ciò che ora consideriamo i punti più alti di una forma d’arte ancora giovane proveniva da questa piccola tasca di tempo. Il nostro unico rimpianto è che non abbiamo fatto’T Prendi questo elenco fino a 200, o anche 300 titoli. (Dimenticalo, Jake – esso’è una scadenza.)
Ecco le nostre scelte per i più grandi film che usciranno da quella fertile era del cinema, dalle aziende familiari guidate dal padrino alle storie in una galassia lontana, lontana. Hai vinto’è d’accordo con tutte queste scelte, ma spero che tu’Rivisitare ogni singolo film in questo elenco e trovare qualcosa di nuovo in questi documenti di un decennio selvaggio, strano, strano di film. Per citare un uomo saggio: “Esso’s showtime, gente!”
100. ‘The Rocky Horror Picture Show’ (1975)
Collezione Jerry Tavin/Everett
C’erano “Film di mezzanotte” Prima della versione a grande schermo di Richard O’Brien’Spettacolo teatrale in guance, riunito dalle parti di ricambio dei doppi lineamenti di fantascienza, teatro musicale e passaggi sottolineati di “Note sul campo.” Ma questo verrebbe a definire e perfezionare l’intero concetto di culti di film, trasformando le sue proiezioni dopo ore in incontri interattivi di cosplay progettati per un’esperienza comune. O’Brien stesso è Riff-Raff, il ghiottone del gobbo che avvia gli innocenti persi Barry Bostwick e Susan Sarandon in un mondo di mostri, geek e fluidità sessuale; La loro resistenza è, ovviamente, inutile. E chi ha bisogno di dottore. Frankenstein quando hai Dr. Frank-N-Furter, Tim Curry’S Iconic Mad Scientist in Fishnets e un uomo in grado di farti rabbrividire in Antivi ..Pazione. Esso’S abbastanza per farti credere che la liberazione fosse solo un salto a sinistra-e poi un passo verso il ri-iii-iiight-. —Davidi paura.
99. ‘Febbre del sabato sera’ (1977)
Incontra Tony Manero, 19 anni, originario di Brooklyn’S Bay Ridge. Durante il giorno, questo quartiere esterno ogni guy vende vernice e litigio con la sua famiglia italo-americana. Ma quando il sole scende e le luci sul discoteca locale salgono, Tony è un dio. John Badham’Il film è così strettamente associato al defunto ’Cramia da discoteca degli anni ’70 che se guardi la parola nel dizionario, tu’Vedremo semplicemente una foto di John Travolta in abito per il tempo libero bianco, mano destra che punta verso il paradiso. Questo è stato il film che ha trasformato il Bentornato, Kotter Kid in una vera stella, oltre a vendere l’America mainstream su quella che era stata principalmente una cultura del club sotterranea e dando ai gee api un serio aumento del secondo vento. Le scene di danza sono tali capsule del tempo cinetico che quasi dimentichi quanto sia grintoso e desolato per il resto del film e che’è davvero una storia di maturità su un ragazzo che ha superato i suoi amici Knucklehead, il suo quartiere e la sua serie limitata di opzioni. Solo, y’Sappi, guarda i suoi capelli, ok?! Ci ha lavorato a lungo. -D.F.
98. ‘Cooley High’ (1975)
Ambientato nel 1964 al culmine del movimento per i diritti civili e segnato da Motown’S di un vibrante catalogo, questa storia di maturità segue un gruppo di giovani scolastici neri a Chicago-guidati dal fiorente poeta Praccia (Glynn Turman) e dal suo migliore amico legale Cochise (Lawrence Hilton-Jacobs)-attraverso una serie di adolescenti hijink (sgattaiola fuori classe, combattimenti nelle partite di casa). Durante un momento in cui la maggior parte dei film di blaxploitation stavano tirando il pubblico’S lo sguardo verso storie di sesso, criminalità e droghe, regista Michael Schultz (Autolavaggio) ha rivolto la sua attenzione alle ricche vite interiori di questi giovani neri. Quel perno verso il loro legame di amicizia non è stato’t basta impostare Cooley High Oltre ai film più sensazionalisti con cui ha condiviso lo spazio sullo schermo; Ha virtualmente ridefinito la percezione di cosa potrebbe essere un film nero durante il decennio. —Robert Daniels.
97. ‘F per falso’ (1973)
Orson Welles è più scivoloso in questo film di saggio, in quanto importa il suo dono per aver raccontato storie alte plurose sul circuito di talk-show in un formato di film da film. Comincia concentrandosi sul famigerato falsario d’arte Elmyr de Hory, solo per tornare a Iris e trasformare il procedimento in una meditazione sulla natura della verità stessa, così come i miti che diciamo a noi stessi di imbevare le nostre vite con significato. Nel frattempo, Welles’ Partner – L’enigmatico Oja Kodar – si profila sullo sfondo, sia vestito che non vestito. Esso’è un delizioso viaggio alla testa e un promemoria che uno sguardo imparziale al suo ricco catalogo produce più del semplice film di tutti i tempi. Anche come una gemma minore, F per falso brilla luminoso nel suo catalogo posteriore. —Mosi Reeves.
96. ‘Ganja e Hess’ (1973)
95. ‘Punto di fuga’ (1971)
Là’sono tutti gli altri film di Stoner Desert-Highway, e poi lì’S Punto di fuga. zona crepuscolare Veterano Richard c. Sarafian ha realizzato un film di mezzanotte che potrebbe dare a chiunque un brusio di contatto. Barry Newman è Kowalski, il pilota solitario, al volante di uno sfidante Dodge in una missione ad alta velocità per raggiungere San Francisco. Sono i poliziotti in inseguimento caldo? Incontra un comune rock di Gesù? Vede una visione mistica di un biondo motociclista hippie che cavalca la sua Harley nuda ai riff di chitarra “Mississippi Queen”? Sì, sì, e ovviamente. La sua unica guida: Cleavon poco come la radio cieca dj super soul, salutando kowalski come “L’ultimo eroe americano … l’ultima bella anima libera su questo pianeta!” Il suo rap DJ è stato impostato in musica da entrambe le guns n roses (“Guasto”) e Scream primordiale (“Kowalski”)-Un omaggio a questo film di meta-strade’I impatto. —Rob Sheffield
94. ‘Wattstax’ (1973)
Sette anni dopo la ribellione di Watts innescata da Martin Luther King Jr’S Death, un concerto con gli artisti discografici di Stax Records si è svolto al Los Angeles Memorial Coliseum. Il suo obiettivo era quello di guarire l’area. “IO Sono qualcuno,” Parlato con orgoglio da Jesse Jackson, è diventato il suo grido di battaglia. Direttore Mel Stuart’Il documentario agitato differisce da cronache simili di spettacoli memorabili come L’ultimo valzer, perché’Non è proprio per gli artisti in primo piano (come i cantanti di Staples, Rufus Thomas, Isaac Hayes, tra gli altri). Invece, il suo interesse deriva dal dare voce e assiste le conversazioni appuntite tra i neri sul colorismo, gli appuntamenti interrazziali e il blues. Esso’è l’unico film di concerto che dice ai neri “Sei qualcuno” In ogni singolo colpo. -R.D.
93. ‘Annie Hall’ (1977)
Solo per un momento, prova a dimenticare i tuoi sentimenti su Woody Allen nel 2023 e torna indietro nel tempo del 1977 – quando Annie Hall Nozioni ribaltabili della commedia romantica con il suo mix di indirizzo diretto alla telecamera, a cottura dell’aragosta e malessere esistenziale. Questo capolavoro vincitore dell’Oscar immerge il suo pubblico nella psiche nevrotica di Allen’S Alter-Ego Alvy Singer, mentre viene colpito dall’omonimo Wasp Flibbertigibbet interpretato da Diane Keaton. In parte uno studio sull’assimilazione ebraica americana e in parte la saga di cadere dentro e fuori amore, Annie Hall è ancora più della somma dei suoi pezzi perfetti. E, sì, i bit sono ancora deliziosi, da Christopher Walken’s roaby turn come Annie’s Fratello terrificante per lo starnuto di cocaina. Ma ciò’è la malinconia che ha reso questo il modello per così tanti cineasti da seguire negli anni a venire. E, ovviamente, lì’S Keaton’s Annie stessa, una donna da sogno con un’anima profonda sotto tutte lei la di das. —Esther Zuckerman.
92. ‘Hester Street’ (1975)
Entertainment della visione domestica/Motion Pictures del Congresso
Joan Micklin Silver’Il debutto sbalorditivo sugli immigrati ebrei sul Lower East Side sembra quasi un artefatto di un’altra volta – non dagli anni ’70, per essere chiari, ma dalla fine del XIX secolo quando si svolge. Sparato in bianco e nero e parlato spesso in yiddish, Hester Street Inizia come la storia di Jake (Steven Keats), precedentemente Yankel, un uomo che crede di prosperare nella sua nuova casa di New York City. Ma la prospettiva abilmente, e straziante, si sposta all’arrivo di sua moglie, Gitl (Carol Kane). Jake è disgustato dai suoi modi antichi e vuole che lei si assimili … non abbastanza per abbandonare il suo posto in casa. Le sue istruzioni contrastanti sono crudeli, ma non è Jake’S foto limitata di una donna americana. Invece, si adatta al suo ambiente a modo suo. Silver cedes il film a Carol Kane’S Incredibile, performance nominata all’Oscar e l’attore abita Gitl con la preoccupazione con gli occhi spalancati come se anche lei sia appena arrivata in questo paese. —E.Z.
91. ‘Le cattive notizie porta’ (1976)
L’estate bicennneniale di ’76 è stata una tale stagione per essere un giovane fan di baseball: il gioco’Il lanciatore più caldo è stato Detroit’S Longhair Kid Mark “L’uccello” Fidrych, mentre il film più caldo era Le cattive notizie porta. Michael Ritchie’La commedia ha recitato in una piccola squadra di campionato piena di bambini disadattati che imprecano come i marines, ma esso’è uno dei film sportivi più emotivamente accurati – e più divertenti mai realizzati. Walter Matthau ha il ruolo della sua vita di latticello, il coglione ubriaco che si migra che allena una squadra sponsorizzata da Chico’S Bonds di cauzione. (“Risuoni la libertà!”) Ma gli orsi iniziano a vincere quando ottengono un lanciatore di ragazze, Tatum o’Neal, più Harvey-Riding Delinquent Jackie Earle Haley. Ogni bambino qui è diventato un eroe di culto: Lupus, che fissa l’allenatore’S Martinis. Engelberg, che gli dice che guidare con una bottiglia di whisky aperta è illegale. (“COSÌ’s omicidio, Engelberg. Ora rimettilo prima di mettermi nei guai.”) Ogilvie, cultura pop’S Primi statistiche di baseball geek, in un momento in cui Bill James stava ancora spedendo il suo Astratto fuori dal suo garage. E Tanner, che sostanzialmente inventa Gen X nel momento in cui racconta alla squadra rivale, “Hey yankees – puoi prendere le tue scuse e il tuo trofeo e spingere ‘em da culo!” Anche i sequel battono sopra la linea Mendoza. -R.S.
90. ‘Smokey and the Bandit’ (1977)
Collezione per gentile concessione di Everett
Esso’s l’ultimo buon ol’ Boy Commedy, il più Burt Reynoldsian di Burt Reynolds’ Film degli anni ’70 (che sta dicendo qualcosa) e il Citizen Kane del cinema redneck. Una leggenda in bootlegger cerchi, il bandito e il suo partner “Pupazzo di neve” (Il musicista country Jerry Reed) viene assunto per trasportare un camion di birra illegale Coors – no, davvero – da Texarkana ad Atlanta in un po ‘più di un giorno. Per canna’S a tema musicale, loro “Ho una lunga strada da percorrere e un breve periodo per arrivarci,” che si complica da Sally Field’S RUNAWAY BRIDE e un gruppo di “Smokeys” sul loro sentiero. Stuntman e il amico di lunga data di Reynolds trasformato in direttore Hal Needham non solo sfruttavano la sua stella’Sinculso e tempismo comico inerente, si rese anche conto che la combinazione di inseguimenti per auto, cultura dei camionisti e Hee haw umorismo di livello (rinunciare a Jackie Gleason’S buford t. Giustizia) sarebbe un inferno di un film da drive-in trifecta. Il film era D.O.UN. All’uscita fino a quando qualcuno della Universal non ha capito di concentrarsi direttamente sul mercato del Southern Theater – a quel punto il film è decollato più velocemente delle soldate di stato nella ricerca di una trans accelerata. -D.F.
89. ‘Wanda’ (1970)
Scrittore-regista-attore Barbara Loden’Il solo film si concentra attorno a una donna che’ha appena lasciato suo marito e ha perso il lavoro di fabbrica. Quindi fa una collaborazione passivamente con un piccolo truffatore, fluttuando da Bara Stulo a back-Seat con le dimissioni di un prigioniero che non sogna più di fuga. Esso’è un ritratto di uno spirito spezzato che era desolante anche per l’era’Standard S. (Loden’La sceneggiatura ha attirato poco interesse, motivo per cui ha finito per dirigerlo da sola; Esso’è un film su qualcuno paralizzato dalla società’S aspettative, realizzate da qualcuno paralizzato dalla società’aspettative.) Eppure’s da allora riconosciuto come un punto di riferimento compassionevole e altamente personale del cinema indipendente americano e un oggetto di fascino per scrittori e cineasti incuriositi da Loden’S breve vita e straordinario senso dell’umanità. —Katie Rife.
88. ‘Roccia ‘N’ Roll High School’ (1979)
Per un breve ma bello “1-2-3-4!” momento, i Ramones erano star del cinema. Roccia ‘N’ Roll High School Era Joey, Johnny, Dee Dee e Markie, dondolando il loro chiling nero Una giornata difficile’s notte. Dato che il bambino medio non aveva speranza di ascoltare i Ramones alla radio, tanto meno al CBGB’S, regista Allan Arkush’Il film di sfruttamento è stato la droga gateway per innumerevoli fan. (Grande grido a Siskel & Ebert, che gli ha dato un let Hey-ho’s-go boost quando nessun altro ha fatto.) L’eroe: P.J. Sole come riff Randall, il ribelle punk che dice al suo malvagio preside (Warhol Factory Domatrix Mary Woronov), “IO’M a adolescente lobotomia!” Centrare il film intorno alla fangirl femminista è stata una mossa profetica, motivo per cui è stato un testo sacro per la rivoluzione di Riot-Grrrl del 1990, fino a Sleater-Kinney’S “Voglio essere il tuo Joey Ramone.” Peaks con un set live ardente dove Da Bruddas Bash “Blitzkrieg bop” E “Lei’è quello”; Per il climax, aiutano a far esplodere la scuola. Gabba Gabba Hey! -R.S.
87. ‘Piccolo cambiamento’ (1976)
François Truffaut è emerso da un’infanzia difficile per diventare un regista molto sensibile ai pericoli affrontati dai bambini e ai modi in cui il mondo sfrutta gli innocenti e vulnerabili. Quello fa Piccolo cambiamento, Una fetta di vita ambientata tra i bambini della città francese di Thiers, di un pezzo con film di Truffaut precedenti come I 400 colpi E Il bambino selvaggio. Quello’è particolarmente vero quando la sua attenzione si rivolge alla storia di Julien (Philippe Goldmann), un ragazzo il cui abuso inizialmente passa inosservato dai suoi insegnanti e compagni di classe. Ma Truffaut fa il bambino’La storia della storia di un arazzo che mescola il stravagante con gli agrodolci mentre intreccia una varietà di esperienze infantili. Esso’s a tour de force su scala in miniatura. —Keith Phipps.
86. ‘Pat Garrett e Billy the Kid’ (1973)
Collezione Jerry Tavin/Everett
Sam Peckinpah ci dà un inno elegiaco all’Ovest, con Kris Kristoffersen come fuorilegge dagli occhi selvaggi e James Coburn come lo sceriffo cinico assunto per sparare al suo vecchio amico. Il regista ha anche lanciato uno spirito affine: Bob Dylan, un altro poeta di American Mythos, nel suo primo ruolo drammatico. Dylan suona un vagabondo astuto di nome alias, a portata di mano con una chitarra o un switchblade. (Alias cosa? “Alias tutto quello che per favore.”) Esso’s praticamente L’ultimo valzer di Western, pieni di rinnegati picchiati dalla strada. La canzone della firma: Dylan’S “Knockin’ in paradiso’s porta,” Giocando come Dying Gunslinger Slim Pickens si trova sul fiume con la moglie Katy Jurado, due leggende del genere che guardano quella lunga nuvola nera che scende. In una storia tristemente tipica, lo studio ha completamente fallito Peckinpah’versione s – ci è voluto fino al regista del 1988’s tagliato per Pat Garrett per essere riconosciuto come uno dei suoi capolavori. -R.S.
85. ‘Il passeggero’ (1975)
In Michelangelo Antonioni’S L’ultimo grande film, Jack Nicholson interpreta un giornalista intraprendente, David Locke, così intenzionato a coprire una rivoluzione nel Ciad che assume in fretta l’identità di un deceduto commerciante di armi che è morto nel suo hotel. Locke si intreccia nella sua storia mentre segue la scia che il morto si è lasciato alle spalle, mettendosi in pericolo mentre fa amicizia con una donna (Maria Schneider – qui fatturata solo come “La ragazza,” Dal momento che erano ancora gli anni Settanta sessisti) a correre con lui. Il passeggero Nel titolo potrebbe essere lo spettatore che deve dare un senso a chi’è buono e chi’è cattivo in questo thriller sfumato e avvincente che beneficia di Antonioni’rivela il marchio slow. –Kory cresce.
84. ‘Il fascino discreto della borghesia’ (1972)
Benvenuti a Luis Buñuel’s a cena, dove puoi controllare ogni volta che vuoi ma non puoi mai mangiare. Il regista spagnolo’Il capolavoro della fine della carriera riunisce un gruppo di persone di classe medio-alta-A Who’S Who of Mid-’Star internazionali degli anni ’70, tra cui Delphine Seyrig, Jean-Pierre Cassel, Bulle Ogier, Stephane Audran e Fernando Rey-per una serata. Quando essi’RE HOST non è preparata nel servire loro cibo, vanno tutti alla ricerca di un pasto comune, solo per incontrare terroristi, vescovi, soldati che stradano i fantasmi e sogni all’interno dei sogni all’interno dei sogni. Curiosamente, nessuno di loro può avere un boccone da mangiare ovunque. Buñuel è sempre stato il legame mancante tra André Breton e Monty Python, e questa commedia di maniere cocco. Buon appetito. -D.F.
83. ‘Si muove notturno’ (1975)
Arthur Penn’S Neo-Noir Riff è un’opera per antonomasia di New Hollywood: un classico pezzo di genere, che ha dato una nuova mano di vernice e una sensibilità contemporanea, per non parlare di un bummer finale. In questo caso, il genere era il film investigativo sodo, ma il nostro gumshoe (Gene Hackman, al suo meglio setole) è un ex atleta cuckolded, frustrato, perpetuamente deluso il cui codice personale profondamente si è sentito tanto un anacronismo. Uno scambio di dialoghi riassume non solo il film, ma il decennio in generale: ha chiesto chi’sta vincendo la partita di calcio lui’sta guardando in televisione, Hackman risponde stancamente, “Nessuno – una parte sta perdendo più lentamente dell’altro.” —Jason Bailey.
82. ‘Amarcord’ (1973)
Il regista italiano Federico Fellini ha attinto dal pozzo delle sue esperienze formative spesso, ma probabilmente mai così efficacemente come ha fatto in questo sguardo alla sua giovinezza negli anni ’30 Rimini, dove i bambini corrono selvaggi, i cittadini suonano gli altri, tutti brasoncano le bellezze locali e i mussolini locali’Le camicie nere iniziano a insinuarsi, lentamente ma sicuramente, nelle province. Esso’s uguali parti nostalgiche per il passato e diffidenti di sentimentale, combinando uno sguardo spaventoso all’ascesa del fascismo con vignette che coinvolgono parenti mentalmente instabili, tradizioni locali kooky e un proprietario di tabacco da tabacco estremamente eccitato. Questo ha impostato il modello per quasi tutti “memoria” film da seguire e puoi vedere il suo DNA in tutto Roma A Armageddon Road. Ed esso’è una grande introduzione allo stile singolarmente surreale, sognante e Mondo sovrapposto – un’estetica che ha più che guadagnato al regista il suo aggettivo di “Felliniesque.” -D.F.
81. ‘Le lacrime amare di Petra van Kant’ (1972)
Alcuni film trattano l’idea che “Fai sempre del male a quelli che ami” Come un pensiero di passaggio – Rainer Werner Fassbender’s caustico, tagliando la parabola sui masochisti amorosi trasformano in un mantra. Il regista tedesco follemente prolifico si è superato con questo adattamento del suo gioco, su uno stilista (Margit Carstensen) che si innamora follemente di una modella (Hanna Schygulla) e procede a metterli entrambi attraverso l’inferno. Le dinamiche di potere tra la coppia si spostano costantemente avanti e indietro; Nel frattempo, Petra’S Silent Maid (Irm Hermann), lei se stessa a testa alta per il suo datore di lavoro, testimonia tutto e va in giro per la sua attività commerciale quotidiana. Esso’Fine in lacrime, e caro Dio, saranno amare. Non è stato possibile trovare un esempio migliore di graffiare Fassbinder’s cinico e ironico superficie e trovare il sanguinante romantico sotto. Né, del resto, un uso più devastante dei piatti’ “Il grande pretendente.” -D.F.
80. ‘Young Frankenstein’ (1974)
Se Mel Brooks avesse appena rilasciato Selle ardenti nel 1974, Dayenu. (Per la lettura di Goyim, ciò significa: “Sarebbe bastato.”) Invece, in un anno ci ha dato sia quella parodia classica che quella perfetta di film horror universali, un doppio tocco di omaggio per l’atto stesso del cinema. Il nipote del leggendario medico Victor Frankenstein Frederick Frankenstein (Gene Wilder) – It’S pronunciato “Frah-Ken-Steen” – avventure in Transilvania per assumere la sua famiglia’S Estate. Incontra tutti i tipi di personaggi inquietanti, come Frau Blücher [Suono del cavallo], e alla fine va nell’azienda di famiglia. I gag non sono solo vincitori sciocchi (“Quale gobba?”) ma dimostra anche i ruscelli’ profonda riverenza per il cinema, in particolare in questo caso il canone mostro-film degli anni ’30. Il film è anche la prova di ruscelli’ credere nel potere di mettere su uno spettacolo – o meglio, “Puttin’ sul Ritz” – Finché nulla va storto e fa sussultare il mostro. —E.Z.
79. ‘Un tocco di Zen’ (1971)
Le epopee spazzatrici erano fuori moda nel nuovo Hollywood del ‘Anni ’70, ma la grandiosità cinematografica era viva e vegeta a Taiwan. La prima ora del re Hu’Il capolavoro di S suona come una fiaba combinata e un occidentale vecchio stile, raccontando la storia dell’artista provinciale Ku Shen Chai (Chun Shih) e la sua provvisoria storia d’amore con la principessa in fuga Yang Hui-Ching (Feng Hsu). Poi entra in gioco la spada e il film si svolge in una storia trascendente ed elettrizzante di arti marziali. Le sue scene di combattimento balletico e il messaggio femminista hanno influenzato registi come Ang Lee e Zhang Yimou, confermandolo come una pietra miliare del Wuxia genere. -K.R.
78. ‘Suspiria’ (1977)
Dario Argento’S Pantone-perfetto Gialllo La dinamo può toccare case infestate, streghe e altri tropi horror cliché. Ma il modo in cui presenta il terrore che lo studente di balletto Suzy Bannion (Jessica Harper) incontra in un raccapricciante collegio ti fa sentire come te’essere nell’incubo con lei. Quando un personaggio viene pugnalato nel cuore, vedi un primo piano di un coltello che penetra un cuore pesante; Lo stesso con la sceneggiatura’S vermi e filo spinato. Durante tutto, il gruppo rock Goblin crea la sua racchetta infernale trasformando un tema della scatola di gioielli ballerina in uno dei punteggi più ossessionanti e indimenticabili con orrore. Don’t Guarda Suspiria – Voi Tatto Esso. –K.G.
77. ‘La presa di Pelham una due tre’ (1974)
Puoi intravedere le impronte digitali di Joseph Sargent’S Adattamento di Peter Godey’s romanzo su tutto da Le Iene A Duro a morire, Ma soprattutto, esso’S uno dei grandi film di New York. Quando Mr. Blue (Robert Shaw) annuncia ai piloti del Downtown 6 che lui e i suoi tre complici armati stanno prendendo il loro treno e li stanno tenendo in ostaggio, spinge il tipo di risata confusa che puoi ottenere solo a New York. E solo a New York la loro trama si svelerà per mano di un poliziotto di transito come Zachary Garber (Walter Matthau); Il suo povero comodino, il guardaroba spiegato e il viso come un catcher’S Mitt fornisce una distrazione simile a un Columbo per l’abilità investigativa-completamente rivelata in uno dei migliori scatti di chiusura in tutto il cinema americano. -J.B.
76. ‘Pianeta fantastico’ (1973)
Anche in un anno che ha portato una tariffa così lontana come Alejandro Jodorowsky’S La montagna sacra e Eiichi Yamamoto’S Belladonna di tristezza, René Laloux’S ALLUCINATORIO PROPRIE DELLA PARABI. Questo film d’animazione è stranamente seducente, e non solo perché sia gli umanoidi Draag blu torreggianti che i loro animali domestici OMS simili a quelli umani sono spesso non vestiti. Esso’S pieno di bizzarre creature simili a calamari e l’animazione è rigida e rigida, evitando l’espressività fluida del film Disney. Nel frattempo, Alain Goraguer’s famoso colonna sonora jazz-bunk mentre si allontana in sottofondo, facendo sembrare il procedimento come Jonathan Swift simile. Pianeta fantastico è laloux’s più famoso lavoro; L’animatore francese ha diretto diversi pantaloncini e altre due caratteristiche (in particolare 1987’S Gandahar) prima della sua morte nel 2004. -M.R.
75. ‘Gates of Heaven’ (1978)
Il modo più semplice per descrivere questo esperimento Errol Morris dolorosamente toccante e fuori comico è che è’S un documentario impassibile sui cimiteri di animali domestici, con interviste con i proprietari e gli operatori di un business fallito e una fiorente. Ma questo film alla fine riguarda molto di più. Esso’S un franco esame dei lasciti familiari, pettinati da vividi ritratti di come l’ingenuo ottimismo americano alimenta i macchinari di successo del successo. Ed esso’s una fetta di vita che è incorniciata come un’opera d’arte, con colpi che sono disposti e adornati con impegni accattivanti, e poi popolati da persone che incerano filosofiche-non solo su gatti e cani, ma sulle sottili differenze tra la vita e la morte. —Noel Murray.
74. ‘I diavoli’ (1971)
Ken Russell’S blasfemo Firebomb è il raro esempio di un film che in realtà ha stato soppresso dai poteri che sono. (Il film non è stato selezionato pubblicamente nella sua forma non tagliata fino al 2004.) L’assalto di immagini depravate e profane è il principale colpevole per le sue danze con i censori, in gran parte legata a Vanessa Redgrave’S Bravura Performance come bachetta perversa che accusa Oliver Reed’S Playboy Priest of Witchcraft. Ma le implicazioni politiche della storia-una critica bruciante di corruzione e ipocrisia tra le autorità morali autoprodotte-sono altrettanto pericolose. A Russell’s visione, il celibe è il peccatore e il libertino il santo, un’inversione provocatoria come la scena spesso suscitata in cui Redgrave succhia Cristo’ferita laterale. -K.R.
73. ‘Rete’ (1976)
Quasi ogni assurda idea presentata nella sceneggiatura da Golden Age of Television Star Creator Paddy Chayefsky è diventata inquietantemente vera nell’era di Fox News. Peter Finch e Faye Dunaway hanno entrambi vinto gli Oscar per i rispettivi ruoli: un Anchorman il cui guasto nervoso in onda (incluso l’iconico “IO’m pazzo come l’inferno, e io’Non lo prenderò più!” rant) in qualche modo lo trasforma “il matto profeta delle onde radio”; e un dirigente della rete sociopatica che farà tutto, fino all’assassinio, alle valutazioni dell’oca. Diretto da Sidney Lumet e con altre magnifiche esibizioni di William Holden, Robert Duvall, Ned Beatty e Beatrice Straight (che ha vinto un Oscar per una scena!), Rete è divertente quanto agghiacciante. Ciò che è iniziato come una satira si è rivelato essere profezia. —Alan Sepinwall.
72. ‘Schiaffo’ (1977)
Questa commedia di hockey sembra il punto di demarcazione tra Paul Newman’S Giovane e bella fase cinematografica e la sua fase di attore personaggio-attore (ma ancora bella). Gioca a Reg Dunlop, allenatore del giocatore per una squadra di campionato minore in una città d’acciaio morente, che cerca di fare la frequenza con un nuovo e incredibilmente violento stile di gioco, guidato dai semplicistici e spietati Hanson Brothers. Scritto da Nancy Dowd e diretto da George Roy Hill, Schiaffo Si appoggia esilarante alle personalità di Caveman grezzo di Reg e dei suoi compagni di squadra, con Newman che gioca il suo ruolo senza la minima traccia di vanità, e il mix di volgarità e commedia fisica che lo rende il film sportivo più divertente di sempre. -UN.S.
71. ‘Prendi Carter’ (1971)
Questo punto di riferimento del crimine britannico segna il momento in cui i drammi di snaplitura da cucina del palcoscenico del cinema britannico degli anni sessanta si coagulavano in delinquenza gloriosamente brutale. Trova il gangster di Londra Michael Caine che sfreccia su un treno di ritorno alla sua città natale di Newcastle per risolvere suo fratello’è una morte misteriosa mediante avvelenamento da alcol, un viaggio che termina con proiettili e sangue. Direttore e sceneggiatore Mike Hodges Based Prendi Carter su Ted Lewis’S Pulp Novel Jack’S Torna a casa, E riempie lo schermo di scene di esterni grigi e nuvolosi e malessere della classe operaia, e ogni personaggio sembra contenere un trauma segreto. Al suo centro c’è Caine, che sembra irradiare una calma inquieta che si rompe solo con la violenza. -M.R.
70. ‘Il cacciatore di cervi’ (1978)
Uno dei primi film americani a dare un’occhiata fredda e dura alle conseguenze del nostro coinvolgimento in Vietnam, il miglior vincitore del miglior film del 1978 segue un trio di lavoratori siderurgici-interpretato da Robert de Niro, Christopher Walken e John Savage-che si arruola nell’esercito all’esercito. Tutti e tre diventano prigionieri di guerra. Due tornano a casa con ferite fisiche e cicatrici psichiche; uno rimane nel paese, rivivendo il suo p.O.W. trauma su base notturna. Michael Cimino’S Epic è principalmente ricordato per le sequenze intense del Viet Cong che li costringe a giocare a giochi strazianti di “roulette russa.” Ma visto ora,’s il film’è il primo tempo che rimane davvero con te, in cui questi giovani e i loro compagni di caccia bevono, esaltano, parlano di merda e si scatenano a un matrimonio. Hai un vero senso di questa piccola città’Comunità dei colletti blu e gli uomini’s cameratismo, che fa solo il brusco passaggio ai campi di uccisione molto più stonanti (immagina di guardare Diner E avere qualcuno improvvisamente cambierà il canale Apocalisse ora a meta ‘strada). Eppure questo rispecchia perfettamente il senso di violento disorientamento questi tutti americani everygus passano ‘Nam e l’alienazione de Niro’Il personaggio s si sente dopo essere tornato a casa. Questo è stato anche il film che ha dato a Meryl Streep il suo primo grande ruolo cinematografico e ci ha dato l’ultima esibizione del defunto, grande John Cazale. -D.F.
69. ‘Harold e Maude’ (1971)
In parte commedia nera e in parte guida alla vita, Hal Ashby’Il film di culto dell’amato cult è interpretato da un bocciolo cherubico Cort nei panni di Harold, un figlio di privilegio senza direzione che trascorre le sue giornate frequentando gli estranei’ funerali e eseguire falsi suicidi per una madre lontana (Piccoli Vivian). Incontra Maude (Ruth Gordon), una donna anziana e compagna appassionata di funerale che possiede una gamma per la vita che il morboso Harold può solo sognare. Man mano che diventano inseparabili, Maude’L’entusiasmo di S diventa contagioso, temperato solo dai suggerimenti della strada dura, lei’s seguito per raggiungere l’età di 79 anni e il suggerimento che lei lo fa’ho molto tempo davanti a lei. Con aria di sfida e ispirazione ingenui, esso’è una commedia nera che fissa la disperazione in faccia e osa ridere. -K.P.
68. ‘La vita di Brian’ (1979)
© Orion Pictures/Everett Collection
Questa voce straordinaria a Monty Python’La filmografia può avere una delle più grandi scene finali nella storia delle commedie. La premessa è che Brian Cohen (Graham Chapman) è nato in una stalla a Gerusalemme, proprio accanto a quella in cui è nato Gesù Cristo. Ne consegue molta ilarità e, senza dare l’ovvio, lascia’s solo dire che Brian’s destino è’T molto diverso dal Figlio di Dio. Mentre Eric Idle canta notoriamente al riluttante Messia alla fine, “Guarda sempre il lato positivo della vita”; Da allora la canzone è diventata un inno nazionale, con Idle che lo ha ripreso alle Olimpiadi di Londra del 2012. Tutti i membri di Python sono fantastici qui e Sue Jones-Davies si distingue come Judith Iscario. Fai attenzione a un cameo di George Harrison, che ha finanziato Vita di Brian Attraverso la sua compagnia di film fatti a mano. -M.R.
67. ‘L’uomo di vimini’ (1973)
Giorno del maggio 1973: un sergente di polizia arriva sulla remota isola scozzese di Summerisle, per indagare su un bambino scomparso. Ma si ritrova in una strana società pagana in cui i locali ballano intorno al maypole, praticano antichi rituali celtici e fanno sesso nei campi. Robin Hardy ha fatto L’uomo di vimini L’ultimo incubo folk-horror, proprio per gli ultimi minuti degne di Scream. Edward Woodward è il forte poliziotto cristiano, sbalordito alla nudità di quest’isola; Christopher Lee è l’affabile Lord Summerisle, che insiste, “Si dovrebbe sempre rimanere aperti alle influenze rigenerative.” Esso’s una satira oscura di post-hippie “Torna alla terra” Fantasie, dove la locanda è Lindsay Kemp (a.K.UN. David Bowie e Kate Bush’S Real Life Mime Teacher) e sua figlia lasciva è Rock Muse Britt Ekland. Paul Giovanni’La musica di S Freak-Folk è diventata parte del film’S Legend – Bizarrely, non c’era nessun album ufficiale della colonna sonora fino agli anni ’90, eppure melodie come “Salice’S Canzone” sono diventati classici di psich-prog di estremità estremamente influenti. (Come gli autori’ Disse Luke Haines, “Ogni band britannica fa il suo Uomo di vimini album.”) Omaggi come Midsomar Basta riaffermare l’originale’s terrificante potere. Canta, cuculo! -R.S.
66. ‘Lampoon nazionale’s House animale’ (1978)
Vedi anche #RshitList: con Andi Star, Bharg, Shreyas Bhartiya e altri
Questa produzione nazionale Lampoon ha fissato gli Slobs-VS.-Modello di snob che definirebbe gran parte della commedia cinematografica per i prossimi decenni, ed è stato di gran lunga il miglior veicolo cinematografico per i prodigiosi ma specifici talenti comici del defunto, grande John Belushi. Come Bluto Blutarsky, il membro sporco, sporco (in ogni senso) della fraternità del Delta House incredibile, il SNL la stella è una tale forza della natura che puoi’t Aiutarsi a pensarci come il suo Film, anche se i compagni Deltas Tim Matheson, Peter Riegert e Tom Hulce hanno tutti ruoli più importanti. Lui’s così carismatico che, quando Bluto chiede nel mezzo di un discorso di ispirazione, “Era finito quando i tedeschi bombardivano Pearl Harbor?,” Nessuno vuole interromperlo per spiegare. -UN.S.
65. ‘Woodstock’ (1970)
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Uno dei primi film principali degli anni ’70 guardò indietro a uno dei principali eventi degli anni ’60 – e, a modo suo, all’etica di tutto il decennio. Il regista Michael Wadleigh ha guidato una squadra di giovani cineasti (tra cui un Martin Scorsese dalla faccia da bambino) a Bethel, New York, per documentare il Festival di musica e pace dell’agosto 1969; Le loro riprese sono state quasi caotiche come il festival stesso, gestendo più telecamere ed esponendo 50 miglia di film durante le esibizioni. Eppure hanno raccolto impressioni e approfondimenti da organizzatori, partecipanti e Bethel’S residenti alla cieca oltre a catturare artisti come Santana, The Who, Crosby, Stills & Nash e Jimi Hendrix alla loro altezza-e il risultato è un ritratto a 360 gradi di un evento culturalmente che definisce. Esso’S assemblato con un’immediatezza e un’energia estromessa-le vibrazioni sono squisite e le prestazioni sono elettrizzanti. Con Altamont che cade tra il festival stesso e il film’uscita, questo leggendario film di concerti già suonato, anche in quelle prime proiezioni, come la nostalgia malinconica. -J.B.
64. ‘Badlands’ (1971)
Nel corso di due mesi a cavallo del 1957 e del 1958, un collezionista di immondizia di 19 anni di nome Charles Starkweather portò la sua fidanzata di 14 anni Caril Ann Fugate su una follia che uccideva Heartland che lasciò 10 morte e catturò l’immaginazione pubblica. La storia suggerisce che un altro thriller amanti sul lam Bonnie & Clyde, Ma nel suo primo lungometraggio, Terrence Malick si dirige nella propria direzione iconoclastica, ignorando la celebrità Brouhaha per concentrarsi sulla relazione tra Kit (Martin Sheen) e Holly (Sissy Spacek) – uno un grassore antisociale con un grilletto pruriginoso, l’altro un bambino notato. Malick’s la carriera, un interesse per il mondo naturale Badlands Una qualità da sogno e innocente che contrasta bruscamente con gli spasmi casualmente scioccanti della violenza. —Scott Tobias.
63. ‘Il fantasma del paradiso’ (1974)
In un universo alternativo più fresco, Brian de Palma’s satirico riff sul il fantasma dell’opera Il mito sarebbe un Show di foto horror rocky-Livello fenomeno di mezzanotte. Paul Williams (che ha scritto la maggior parte delle canzoni per questo musical cult) recita come un produttore diabolico i cui piani per apre una nuova sala da concerto con una versione rock opera Faust; I suoi piani sono vanificati, tuttavia, dal cantautore Manggled (William Finley) che perseguita il posto. De Palma potrebbe essere stato all’inizio della sua carriera, ma ha comunque scatenato il suo pieno arsenale di trucchi stilistici – gli schermi sono divisi come un matto – e ha mostrato la volontà di mordere duramente la mano che gli nutre. -S.T.
62. ‘Spirito dell’alveare’ (1973)
Nella campagna spagnola del 1940, una ragazza di sei anni di nome Ana (Ana Torrent) si ritrova perseguitata da Frankenstein, un film il cui significato lotta per cogliere ma che sembra profondo in modi che può’t Abbastanza capire. Dopo che Ana fa amicizia e aiuta un soldato repubblicano che si rifugia in una pecora sgargiante, lei’s investito Frankenstein con un significato della sua stessa invenzione, incorporando la sua visione di un mostro gentile e frainteso nella sua crescente comprensione della morte, della disillusione e delle prime agitazioni di malcontento. Ambientato poco dopo la conclusione della guerra civile spagnola e dell’ascesa di Francisco Franco (e rilasciata nel regime di Franco’s finali anni), regista Victor Erice’Il debutto meditativo e visivamente lussureggiante funziona sia come una storia universale sulla fine dell’innocenza infantile sia come una rappresentazione spinata di come il compiacimento ha aperto le porte all’autoritarismo – sia sulla generazione successiva’O obbligo di chiuderlo di nuovo. -K.P.
61. ‘American Graffitti’ (1973)
Anticipando l’onda viscosa di nostalgia ingrassante che avrebbe immerso gli anni Settanta dalla Fonz a Grasso, Il regista George Lucas ha scritto Graffiti americani A proposito dei giorni felici del 1962, l’anno in cui ha compiuto 18 anni-quando i fantastici gatti avrebbero navigato la striscia per raccogliere pulcini, trascinare la gara, scherzare i poliziotti e parlare spazzatura. Un cast di ensemble acuto che includeva Richard Dreyfus, Ron Howard, Harrison Ford, Cindy Williams e Paul Le Mat hanno tirato fuori i personaggi’ piccolo città, adolescente e adolescente mentre si preparavano “Finalmente esci da questa città di tacchino” (Howard’parole.) In mezzo a tutti gli hi-jink (“La tua auto’è più brutto di me,” Dice Mackenzie Phillips di 13 anni), ci sono anche momenti di vero cuore, come la sequenza di fine ad alta velocità. Inoltre, il film vanta ciò che mancava a tutti gli imitatori: Wolfman Jack. –K.G.
60. ‘HARLAN COUNTY USA’ (1976)
Immediatezza e intimità sono componenti cruciali in così tanti grandi documentari, ma Barbara Kopple’Il debutto potente è una masterclass nel portare il pubblico nei suoi soggetti’ vite, rendendo le loro lotte palpabili come le nostre. Ci porta in prima linea dello sciopero teso condotto dai minatori di carbone del Kentucky nei primi anni ’70, quando si sono affrontati con Duke Power Company, guidata dal mostruosamente calloso capitalista Carl Horn. Mettendo da parte i cliché patrocinanti della vita della classe operaia, il film rappresenta un tributo al lavoro onesto, presentando la blunt decenza degli americani ordinari costretti a sopportare pericolose condizioni minerarie mentre a malapena è in grado di mantenere finanziariamente la testa fuori dall’acqua finanziariamente. Esso’svuotando la sua semplicità – mai più di quando l’attivista e cantautore Florence Reece offre una interpretazione fortemente spartana di “Da che parte sei?” – e avvincente come un thriller una volta che Duke Power inizia a minacciare i lavoratori sorprendenti’ vite. Kopple’La fotocamera è proprio lì per catturare il terrore e il caos. Là’non c’è dubbio di chi sei’Sarò in questo confronto David-and-Goliath. –Tim Grierson
59. ‘Giorno per la notte’ (1973)
Francois Truffaut ha trascorso gran parte della sua prima carriera a girare film su un giovane madista (Big Up Antoine Doinel!) e/o film dedicati a emulare gli stili dei suoi idoli d’autore. Nel 1973, è finalmente arrivato al tema del moviemaking stesso – e ci ha dato quella che potrebbe essere la cronaca più appassionata e poetica di catturare Magic 24 frame al secondo. A partire dal suo famoso colpo di gru di apertura, Giorno per la notte (Il titolo stesso si riferisce a un trucco cinematografico illusorio) usa un falso film per tirare indietro il sipario sull’agonia e l’estasi di raccontare storie con una macchina fotografica, un equipaggio e una nozione di cinema cocco come forma d’arte. Eppure anche quando Truffaut’Il regista sullo schermo Ferrand sta lottando per ottenere la sua visione sullo schermo o ottenere le sue stelle (vale a dire Jean-Pierre Léaud e Jacqueline Bisset) per colpire i loro voti, il film non tratta mai il puro lavoro del cinema come qualcosa di meno che un miracolo. Esso’S entrambi esponendo su come viene creata la salsiccia cinematografica E Una lettera d’amore a coloro che sono abbastanza coraggiosi o sciocchi da fare salsicce allo stesso tempo. -D.F.
58. ‘Più sono più difficili’ (1972)
Ivan (Jimmy Cliff), nessuno con sogni di celebrità musicale, torna a Kingston sperando di essere visto. Registra una traccia reggae, una lui’S sicuramente sarà un successo, chiamato “Più cadono.” Ma le restrizioni dell’autorità – la chiesa, il disco fantini, la polizia – restano ostili a questo outsider. Ivan diventa un fuorilegge dopo aver ucciso un poliziotto. Ironia della sorte, la notorietà lo lancia alla celebrità. Perry Henzell’Il film ribelle inizialmente ha lottato per trovare un pubblico: ha suonato per lo più slot di film mezzanotte, mentre i suoi accenti richiedevano sottotitoli per i teatri americani. Cosa ha fatto’È necessario tradurre, tuttavia, era la musica reggae e il film’So colonna sonora – con successi fondamentali come la traccia del titolo, “Molti fiumi da attraversare” E “Puoi ottenerlo se vuoi davvero” – Introdotto la Giamaica’s viste, suoni e persone uniche nel mondo pronte a divorarlo. -R.D.
57. ‘The Friends of Eddie Coyle’ (1973)
Un vero epitaffio per gli anni Settanta: “Questa vita’è duro, amico. Ma ciò’è più difficile se tu’essere stupido!” Peter Yates ha reso questo film di gangster anti-glamour di enormi influenti su piccoli truffatori irlandesi a Boston-ragazzi come Eddie “Dita” Coyle (Robert Mitchum), un perdente stanco del mondo, che lancia proverbi di Street come, “Non chiedere mai a un uomo perché lui’s di fretta.” Questi ragazzi della racchetta lavorano rigidi; nessuno’S confrontarli con l’Impero romano. Yates ha sparato sul posto in commensali, barrette, vicoli da bowling, con un occhio per grintosi dettagli locali basati su George V. Higgins’ romanzo. Il cast stellare ha Peter Boyle, Alex Rocco e la scena di Steven Keats come un cotto di cappuccio di Mick Jagger-esque in un ’71 Plymouth Road Runner. Eddie Coyle è stato il primo dei film di folla irlandese di Boston – lì’D essere alcuni altri da dove provengono – ma questo’S Non è mai stato completato. -R.S.
56. ‘Conoscenza carnale’ (1971)
Molto prima “mascolinità tossica” È diventato Grist per il think-pece Mill, il regista Mike Nichols ha consegnato uno dei ritratti più cattivi di uomini cattivi mai impegnati nella celluloide. Lavorare da Jules Feiffer’Sesto di sceneggiatura sprezzante, Jack Nicholson e “Arthur” Garfunkel gioca al college chums Jonathan e Sandy, ognuno dei quali si stringe per graziosi coed e fantini per dimostrare la loro spavalderia sessuale. Candice Bergen’S Susan diventa sabbioso relativamente più sensibile’la ragazza, ma presto, progettando Jonathan la vuole per se stessa. Questo mette in moto uno studio di decenni su questi uomini’La crudeltà, l’insicurezza e la competitività, che spesso si rivolge a donne innocenti (tra cui Ann Margaret, il cui ruolo le ha meritatamente guadagnato una nomination all’Oscar) abbastanza sfortunata da attraversare i loro percorsi. Con spietatamente recitato e desolante, Conoscenza carnale Disegna le sue risate buie da Jonathan e Sandy’s mischia, questa satira velenosa beffarda allegriamente egos maschio fragile periplicata dalle donne allora-borghese’S Movimento di liberazione. –T.G.
55. ‘Sweetsweetback’S Badass Song’ (1971)
Verso l’inizio di Melvin Van Peebles’ Film di protesta del 1971, Swwet Sweetback SWWET SWWET SWWET finisce per uccidere un paio di poliziotti quando la loro brutalità verso un attivista nero va troppo lontano. Questo mette il nostro eroe su un percorso di Chisciottes attraverso il ventre di Los Angeles, dove incontra Hustlers, Sex Worker, Hell’s angeli e maiali più razzisti sulla strada per la libertà in Messico. Il personaggio’L’atteggiamento di Side-Wolf riflette quello dello stesso Van Peebles, che ha abbandonato un accordo con la Columbia Pictures per fare una caratteristica indipendente che’s grezzo e rivoluzionario sia in forma che in contenuto. Ha finito per diventare uno dei film indipendenti di maggior successo mai realizzati, ha contribuito a dare alla luce un genere ed è stato citato da tutti da Huey Newton a Spike Lee come chiamata cinematografica alle armi. -K.R.
54. ‘Alba dei morti’ (1978)
© United Film Distribution/Everett Collection
Nel 1968 George Romero’S La notte dei morti viventi ha dato alla luce il moderno film di zombi mentre si dimostra, per quanto accidentalmente, che gli sciami di non morti potevano offrire un riflesso oscuro dei tempi che li hanno creati. Un decennio dopo, era pronto a sfruttare veramente le possibilità oscure e satiriche di The Walking Dead con questo sequel del suo classico horror. Quando un quartetto di sopravvissuti rivendica un centro commerciale di Pittsburgh nel mezzo di una zona di pericolo di orde di zombi, lo trasformano in un paradiso del consumismo tutto loro mentre fanno del loro meglio per isolarsi dal mondo fuori. La loro pericolosa esistenza funge da metafora perfetta per un decennio che aveva lasciato l’idealismo degli anni ’60 e i limiti di piaceri materialistici con la crostata – sebbene Romero non lo fa’Tsimensionare esattamente gli zombi ridotti o lo scioccante gore,. -K.P.
53. ‘Grida e sussurri’ (1972)
Ingmar Bergman’S S Punire il melodramma è inzuppato nel sangue delle emozioni spettinato. Le carte del titolo di apertura sono rosse brillanti, così come le pareti della tenuta svedese del XIX secolo dove una donna, Agnes (Harriet Andersson), sta morendo di cancro. Le sue due sorelle, Maria (Liv Ullman) e Karin (Ingrid Thulin), la aspettano per la morte, perdendo se stessi nei ricordi del trauma passato. Maria ricorda come la sua infedeltà abbia portato suo marito a pugnalarsi; Karin ammette pensieri suicidi, pensando a un incidente in cui si è mutilata con il vetro. Quando suo marito la vede, lei spalma il sangue sul viso. Bergman’S Oeuvre è pieno di tariffe psicologicamente piene, ma pochi sono scomodamente intimi e affascinanti come questo. -M.R.
52. ‘Dusty and Sweets McGee’ (1971)
Parla di un perduto ’GEM GEM degli anni ’70-Cinema per la riscoperta: Writer-Director Floyd Mutrux’S Docudrama prende un simpatico, ma seriamente senza piega alla vita da drogato, lanciando una manciata di utenti reali per ricreare scene di punteggio, rubare e raschiare per ottenere. Tra queste vignette grintose, ha altri tossicodipendenti che danno testimonianze dirette alla fotocamera. Tutto ciò dipinge un’immagine straziante della vita di Los Angeles Street, che funge anche da istantanea degli anni sessanta idealistici che scivolano – o meglio, a spirale verso il basso – negli anni Settanta. E il film’S Incredibile uso di L.UN. Radio pop come un costante coro greco sul Quentin Tarantino quasi sicuramente ispirato’S simile colonna sonora del tempo di drive-time in C’era una volta … a Hollywood. -D.F.
51. ‘Bara’ (1973)
Lei’è un’infermiera del pronto soccorso a Los Angeles che’è fuori per vendetta dopo che sua sorella è stata catturata sulla droga … e credici, lo fai non voglio scherzare con lei. Decorato con un enorme afro e tacchi più alti del più alto, Pam Grier non ci dà a dir poco il primo supereroe femminile nero, che si scontra contro i protettori, gli spacciatori, i poliziotti storti e i politici che marcano l’America’S Inner Cities. Con grandi pugni, ampi calci, un fucile da pump-action segata e un fila d’oggi che hanno consegnato con fresco sfrenato, Grier ha mostrato il gioco Blaxploitation Wasn Wasn Wasn’T solo per gli uomini. Anche le donne di colore potrebbero abbattere il sistema. -R.D.
50. ‘Rottura’ (1979)
Sia una storia divertente e commovente e un film sportivo perdenti stimolanti, Rottura segue un quartetto di amici che cercano indicazioni nella loro vita nell’anno dopo la laurea. Dave (Dennis Christopher) è così disperato di sfuggire alla sua vita deprimente come a “cutter” (Il soprannome derisivo i atleti della vicina Università dell’Indiana danno ai Townies) che inizia a parlare, recitare e guidare come i grandi ciclisti italiani che ammira. Alla fine, lui e i suoi amici (incluso un giovane, mai più caldo Dennis Quaid come un ex quartiergo) finiscono per correre contro i loro rivali del college nei piccoli 500. Un film adorabile che funziona ad ogni livello, tra cui un ottimo lavoro di Paul Dooley e Barbara Barrie nei panni di Dave’genitori amorevoli ma perplessi. -UN.S.
49. ‘Molestatore’ (1979)
Media Transactions/Everett Collection
Andrei Tarkovsky’Senigmatico dramma fantascientifico, un adattamento sciolto del romanzo Picnic lungo la strada, è una ricerca epica che’s tanto il viaggio fisico quanto il terreno psichico che i personaggi attraversano. Un uomo noto semplicemente come lo stalker (Alexander Kaidanovsky) guida due uomini-lo scrittore (Anatoly Solonitsyn) e il professore (Nikolai Grinko)-attraverso un aspro paesaggio post-apocalittico chiamato Zona alla ricerca della stanza, un regno misterioso in cui individui’ I desideri possono essere presumibilmente concessi. Lascia questo film’s i ritmi lenti e meditativi si sommano – e la storia’s ambiguo parabola sulla religione, la morte e la rinascita si fanno strada attraverso la tua mente e la tua anima – e Molestatore Emerge come uno di Tarkovsky’s più inquietanti metafore per l’umanità’s fragile, ricerca della natura. Questi tre uomini entrano nella zona pensando di sapere cosa troveranno, solo per infrangere le loro aspettative. Chiunque incontri Molestatore saprà esattamente come si sentono. –T.G.
48. ‘Barry Lyndon’ (1975)
Stanley Kubrick ha seguito i suoi capolavori che definiscono lo zeitgeist Dr. Strano amore, 2001 E Un’Arancia Meccanica Con questo adattamento di William Makepeace Thackeray – un dramma storico letterario che in qualche modo è entrambi i suoi più “normale” e il suo più impegnativo. Ryan O’Neal interpreta una trama irlandese ladro che ha una serie di avventure episodiche in Europa nella metà del XVIII secolo, osservando in prima persona la assistenza della classe europea mentre cerca di assicurarsi il suo posto all’interno di un’aristocrazia scettica. Gli interni illuminati da candela e gli esterni di Twilit sono sorprendentemente meravigliosi e il film si prende il tempo di consentire agli spettatori di vivere al suo interno per un po ‘, sperimentando il ritmo più lento e la ferocia sociale del lontano passato. -N.M.
47. ‘Mikey e Nicky’ (1976)
La paranoia e l’interesse personale di Craven sono le forze trainanti di questo Mid Scrappy-’Lo storditore degli anni ’70, ancorato dalla fenomenale chimica tra le stelle Peter Falk (Mikey, quella responsabile) e John Cassavetes (Nicky, The Wild Card). Il film è tecnicamente un dramma di gangster, ma è’s più guidato dal personaggio di quanto implica l’etichetta: si svolge per una sola notte, mentre i personaggi del titolo si muovono intorno a Philadelphia nel centro città cercando di evitare l’uomo di successo che Nicky’S Convinced lo sta dopo. Il film fonde la scrittrice-regista Elaine May’S SARDONIC COMEDY WITH CASAVETES’ Interesse per la mascolinità volatile, il lancio con disagio e costruzione delle dimissioni per rassegnare le dimissioni. Come per gran parte di maggio’Lavori, gli scontri con lo studio hanno portato a un conflitto dietro le quinte e il risultato l’ha atterrata in regista’S prigione per un decennio. Esso’S ora considerato il suo capolavoro. -K.R.
46. ‘Shampoo’ (1975)
La rivoluzione sessuale è mai sembrata così estenuante (o esausta) come in Hal Ashby’S satira di recente ’Mori degli anni ’60? Esso’Non sorprende che George Roundy-un parrucchiere in moto interpretato dalla scrittrice-produttrice-star Warren Beatty, abilmente riff di reputazione di New Hollywood’S Stud-in-Residence-è in grado di corteggiare in modo convincente qualsiasi numero di donne di Beverly Hills a letto. (Voglio dire, quella testa di capelli da sola è un inferno di afrodisiaco!) Esso’è il modo in cui questo himbo sembra essere costantemente perso e distratto mentre foglie dalla conquista a conquista. Il brivido è sparito, tranne che l’inseguimento continua all’infinito. Là’è una così deliziosa amarezza che Beatty e il suo cowriter, Robert “Chinatown” Towne, regala a questa farsa per camera da letto del decennio. Potrebbe essere ambientato nel 1968 alla vigilia di Nixon’s elezione, ma esso’è molto a ’Film di postumi di una sbornia degli anni ’70, dagli occhi annebbiati dalla ricaduta di nuove libertà. Il cast di ensemble (tra cui Julie Christie, Goldie Hawn, Jack Warden, un giovane Carrie Fisher e Lee Grant, che ha vinto un Oscar) è perfetto. Il film stesso, per citare George, è “Fantastico, piccola. Appena Grande.” -D.F.
45. ‘Roccioso’ (1976)
Collezione per gentile concessione di Everett
Sylvester Stallone ha scritto la sceneggiatura-su un pugile mai-was, dato un improbabile lotta contro il campione fiammeggiante Apollo Creed (Carl Weathers)-come vetrina per un settore che apparentemente aveva poco uso per lui. È diventato molto più di questo, vincendo l’Oscar per il miglior film per il 1976 (battito Tutto il presidente’S uomini E Rete), trasformando Stallone in una stella della lista A e essenzialmente inventando il genere del film sportivo perdente come lo conosciamo oggi. Tra Bill Conti’SCOPO ROUSING, Memorabilmente messo in scena sequenze di addestramento e combattimento del regista John G. Avildsen e Stallone’S sorprendentemente efficace approssimazione di Brando in Sul lungomare, c’è da meravigliarsi del franchising (sotto forma di Credo film) sta ancora andando quasi 50 anni dopo? -UN.S.
44. ‘Halloween’ (1978)
La trama è semplice: un paziente psicologico mascherato (Michael Myers) che una volta ha ucciso sua sorella (ad Halloween, ovviamente) fugge per un’istituzione mentale. Ritorna nella sua città natale e inizia a pugnalare babysitter. La trama di Bare Bones, insieme a Scream Queen/Nepo Baby Jamie Lee Curtis’ Performance che produce stelle come Laurie Strode, ha reso l’immagine a basso budget un successo a sorpresa. Il film non spiega mai perché Myers intraprende la sua furia – il retroscena che lo coinvolge e Strode è arrivato più tardi nei sequel – ed esso’s la casualità di esso, accoppiata all’immagine’S claustrofobica cinematografia e regista John Carpenter’SCOGNI OFF OFF-KILTER, che ha sfruttato i cineasti’ Vulnerabilità innata. Le vittime potrebbero essere chiunque e qualcosa di così orribile Potevo succede a te. L’appello era chiaro (gioco di parole previsto). –K.G.
43. ‘Giorni del paradiso’ (1978)
In questo melodramma incantevolmente malinconico, Richard Gere e Brooke Adams interpretano i lavoratori migranti che intendono condurre un contadino morente (Sam Shepard) dalla sua fortuna, ma si preoccupano che loro’sarà cacciato dalla sua proprietà idilliaca se impara la verità. Lo scrittore-regista Terrence Malick descrive questo tragico triangolo amoroso nelle parole di una ragazza adolescente che parla dura (Linda Manz), che racconta la storia senza capirlo davvero. La pellicola’S ironicamente ironico prendi l’avidità, il bisogno e cosa “Paradiso” Davvero significa che è supportato da alcune delle immagini più visivamente arrestanti ‘Cinema degli anni ’70, supervisionato dai cineasti Haskell Wexler e Néstor Almendros. Il risultato è un singolare capolavoro che ha tolto così tanto dal suo creatore che non lo ha fatto’t fare un’altra foto per 20 anni. -N.M.
42. ‘Giardini grigi’ (1975)
Albert e David Maysles’ Il documentario di Verité ti colpisce proprio al fianco di Big e Little Edie Bouvier Beale – i parenti Jackie o che, quando sono arrivati i cineasti, vivevano nello squallore nella loro dimora di Hamptons. Le circostanze dei Edies’ esistenza come raffigurato in Giardini grigi sono straordinariamente curi, ma i maysles (e il pubblico) sono anche affascinati da Little Edie’S Spirito irrefrenabile. Le sue mode kooky, numeri musicali e parole del vocabolario (vedi: “Chiese”) sono sopravvissuti nelle esibizioni e nelle parodie della drag queen, ma il film dà contesto alle sue routine che sventolano la bandiera. Sono un atto di far fronte a quella che è essenzialmente una situazione condannata e offensiva. Le sue buffonate sono divertenti, sì, ma anche piene di dolore e in quel dolore è un quadro di quella che molti credevano essere una grande famiglia americana in declino. —E.Z.
41. ‘Uno volava sul cuculo’n nido’ (1975)
Potresti dire che Uno volava sul cuculo’n nido è stato quando Jack Nicholson, un attore leader di magnifica complessità, si è trasformato in “Jack,” una stella sorridente e vincitrice di Oscar a Hollywood’costellazione. Questo adattamento di Ken Kesey’Il best-seller del 1962 ruota attorno a Nicholson mentre il piccolo criminale Randle McMurphy, che si fa strada in un ospedale psichiatrico dell’Oregon per evitare di fare tempo difficile per l’assalto. Lui’s in quasi tutte le scena, superando Louise Fletcher mentre l’infermiera ha scosso, affascinanti compagni di paziente come Brad Dourif e Danny DeVito, e facendo salvabilmente l’amore per il pubblico. Anche se lo fa’t esplorare le stesse profondità infestate dei trionfi passati come Cinque pezzi facili E Chinatown, Abba ancora mentre si ribella a un sistema che inevitabilmente lo schiaccia. -M.R.
40. ‘Assistente’T guarda adesso’ (1973)
Una coppia britannica (Donald Sutherland e Julie Christie) perde la loro unica figlia in un incidente annegatore. Quando vanno a Venezia per alleviare il loro colpa e il loro dolore, una serie di omicidi seriali stanno afferrando la città. Cosa ha a che fare una cosa con un’altra? In Nicolas Roeg’s Thrilling Psychological Thriller, loro’è tutto ripiegato nello stesso incubo, legato da un impermeabile rosso e l’interazione inquietante tra un passato questa coppia è ansioso di dimenticare e un regalo che continua a ricordare loro il loro trauma. Roeg’S Stile di editing audacemente associativo paga in una delle scene sessuali più calde dell’epoca-in cui una sessione di amore si mise in mischia con la coppia che mette indietro i loro vestiti-e una vera sterzata di una rivelazione climatica. -S.T.
39. ‘La vista di parallasse’ (1974)
Ci sono film che attingono alla paranoia dell’epoca – e poi lì’S Alan J. Pakula’S Madre di tutti i thriller di cospirazione, incentrati su un giornalista (Warren Beatty) che inciampa in un mistero che coinvolge l’omicidio di un importante senatore durante un’apparizione pubblica. L’autore si adatta al profilo tradizionale del “lupo solitario” assassino … solo lui sembra adattarlo un po ‘ pure BENE. Il fatto che ogni testimone dell’evento venga presto trovato morto lo rende molto più sospetto. Beatty’S Muckraker inizia a tirare il thread e presto scopre una società che può o meno essere responsabile per qualsiasi numero di sterminio sanzionati dallo stato. Indovina chi ha un bersaglio sulla schiena adesso? Fatto un decennio dopo la Commissione Warren’S reperti sull’assassinio di Kennedy e rilasciati alla vigilia di Watergate, questo sguardo al modo in cui i poteri che possono mantenere la loro posizione non potrebbero’T mi sento più del suo tempo O più contemporaneo. E la scena del lavaggio del cervello, in cui un miscuglio di immagini si arrampica un potenziale assassino’S senso di bene, male e sé, rimane una delle sequenze più agghiaccianti del ’Anni ’70. -D.F.
38. ‘Entra nel drago’ (1973)
Dire “film di kung fu,” e cosa’è la prima immagine che mi viene in mente? Un Bruce Lee senza camicia, il suo petto sfrecciava e le sue mani in una posizione di combattimento. Avendo fatto del tempo in TV come calabrone verde’S Sidekick, la star cinese-americana è andata a est nei primi anni ’70 per recitare in una serie di film per la società di produzione di Hong Kong Golden Harvest. I risultati – Il grande capo (1971) e Pugni di furia (1972) – lo ha reso un nome familiare in tutta l’Asia. Hollywood voleva attirare il continente’s più grande stella, quindi una storia su un agente sotto copertura che si infiltrava un cattivo nefasto’Il torneo di combattimento è stato colpito per lui. Il resto è storia. Entra nel drago sarebbe cementato Lee’s L’eredità come qualcosa di vicino a un supereroe della vita reale e vedere l’uomo attraversare dozzine di uomini in una raffica di pugni, piedi, personale e nunchucks è capire come ha trasformato le arti marziali in un fenomeno globale. La battaglia finale, in cui Lee combatte la sua nemesi artigliata in metallo in una sala di specchi, rimane un banger di tutti i tempi. -D.F.
37. ‘Una donna sotto l’influenza’ (1974)
La più bruciante regista John Cassavetes e l’attrice Gena Rowlands’ Molte collaborazioni sullo schermo, questo dramma vulcanico rimane uno dei grandi ritratti di distraggio mentale e discordia coniugale. Rowlands interpreta Mabel, una mamma del sud della California a malapena a tenerlo insieme, facendo sì che sia i suoi figli e il suo marito temperamento Nick (Peter Falk) a preoccuparsi che possa finalmente scattare in qualsiasi momento. Cassavetes’ Il realismo disordinato e teatrale non è mai stato più potente, permettendo alla sua brillante moglie di esplorare tutta Mabel’S Pain, confusione e infuocata indipendenza, la fotocamera cerca disperatamente di tenere il passo con la stella’S appassionato imprevedibilità. Ma sotto questo film’Il caos della superficie è un riflesso compassionevole e strettamente focalizzato di un’era in cui le donne stavano sfregando le stenosi patriarcali poste su di essi. Mabel e Nick combattono così violentemente perché, in fondo, si amano così enormemente: Rowlands e Falk fanno ogni lamento angosciato e la lacrime recriminazione colpita da forza toccante. –T.G.
36. ‘Gimme Shelter’ (1970)
La bellezza dei Rolling Stones proveniva dal loro abbraccio edonistico della roccia’s Ethos Sex and Danger. L’orrore di questo documentario deriva dalla sua visione dagli occhi chiari della band’S Kinetic Live Power, che potrebbe essere sia ipnotico che terrificante nella sua intensità. Gimme Shelter è meglio ricordato per il suo finale agghiacciante: la morte di Concertgoer Meredith Hunter alle pietre’ Spettacolo gratuito del 1969 ad Altamont – ma in tutto, i registi Albert Maysles, David Maysles e Charlotte Zwerin creano un senso affascinante della band’S Dark Energy, che suggeriva la liberazione e il nichilismo. E Mick Jagger’S Final Reaction Shot è inquietante. –T.G.
35. ‘Il ragazzino spaccacuori’ (1972)
Un film può essere ancora chiamato una commedia romantica se fa innamorare ridicolo? Per il suo secondo film come regista, l’influente comico improvvisato Elaine May ha consegnato una dissezione piegata di costumi americani della classe media e rituali di accoppiamento, basato su un racconto di Bruce Jay Friedman e adattata dallo sceneggiatore Neil Simon. Charles Grodin è esilarantemente nebishy, suonando un sposi che pensa’S Finalmente trovò la sua anima gemella (Cybill Shepherd) mentre era in luna di miele con sua moglie (Jeannie Berlin). Nell’era dell’amore libero, questa matura satira social ha brillantemente falsificato il modo in cui alcuni ragazzi intitolati hanno preso “se ti fa sentire bene, fallo” come licenza per rendere le donne miserabili. -N.M.
34. ‘Richard Pryor: dal vivo in concerto’ (1979)
Nessun singolo interprete ha cambiato l’arte della commedia stand-up negli anni ’70 come Richard Pryor, che si è trasformato da un imitatore di Bill Cosby senza denti nel decennio precedente in un talento di generazione tabù, una volta nella generazione, ugualmente e vescimamente onesto. Il suo tour del 1978 è stato immortalato nel film dal regista Jeff Margolis, che ha catturato il fumetto al culmine dei suoi poteri e ha fornito ai consumatori il suo brillante ‘Album degli anni ’70 con l’accompagnamento visivo di cui avevano bisogno. Pryor non lo fa’T raccontare battute o storie divertenti; Lui diventa i soggetti del suo materiale, antropomorfizzanti in cani, cavalli, scimmie, pneumatici per auto, suoi figli e (più devastanti) bianchi. Pauline Kael lo ha chiamato “Il più grande di tutti i film registrati,” E lei era’T sbagliato. -J.B.
33. ‘Scene di un matrimonio’ (1973)
Nessuna mancanza di rispetto per la superba versione teatrale di 167 minuti rilasciata negli Stati Uniti, ma il maestro svedese Ingmar Bergman’s sbalorditivo esplorazione di una coppia che cade per amore raggiunge altezze ancora più alte nella sua forma originale di miniserie di 281 minuti. Ad ogni modo, Liv Ullmann ed Erland Josephson portano alla vita i loro personaggi infelici, Marianne e Johan, articolando il dolore e il bisogno di due persone che, anche dopo che il loro matrimonio si implorava e si aggrappano a nuovi partner, si ritrovano legati l’un l’altro. Bergman ha attinto dal malcontento che ha visto intorno a lui – anche nelle sue relazioni fallite – per raccontare questa storia non priva di essere umani, che trattava il divorzio come un fenomeno tanto affascinante come l’amore a prima vista. Nonostante il dolore loro’Ve si è causato a vicenda, Marianne e Johan hanno difficoltà a lasciarsi andare. Bergman senza dubbio ha capito le loro complicate emozioni a memoria. –T.G.
32. ‘Il massacro del Texas Chainsaw’ (1974)
Un’atmosfera generale di stagnazione permea Tobe Hooper’s 1974 Destt a l’odore della carne marcia. (L’insieme del film, caratterizzato da un’ingenua incoscienza che’S molto della sua era, anche secondo quanto riferito aveva un odore piuttosto cattivo.) Questa produzione indipendente è atterrata in drive-in esattamente al momento giusto, impostando il modello per il genere slasher emergente con la sua storia di cannibali di backwoods-guidato da Gunnar Hansen’Sonde, grottesco Leatherface – Inseguimento degli adolescenti urlanti attraverso il pennello del Texas orientale. Ha anche stabilito un archetipo, sotto forma di Marilyn Burns’ prestazioni ostinate come “Ragazza finale” Sally Hardesty. -K.R.
31.‘L’uomo che è caduto sulla terra’ (1976)
David Bowie’Il debutto del film è arrivato in un momento adatto per il cantante per interpretare qualcuno senza la vita sulla terra ma in pericolo di cadere vittima della gravità’s trazione. Realizzato in un’epoca in cui Bowie viveva con una dieta che consisteva pesantemente di cocaina, latte e arcana mistica, questo film di Nicolas Roeg lo lancia come Thomas Jerome Newton, un fragile visitatore di un pianeta colpito dalla siccità che cerca di fare una fortuna sulla Terra come mezzo per salvare il suo pianeta di casa e la famiglia che ha lasciato alle spalle. Il materiale di origine, un romanzo di Walter Tevis, ha usato la sua premessa per esplorare il modo in cui Genius viene sottomesso dalla dipendenza e da altri piaceri terreni. Roeg’L’adattamento s mantiene quei temi aggiungendo strati allucinatori che girano ’America degli anni ’70 in una fantasia in cui il passato e il futuro continuano a crollare nel presente, come visto attraverso gli occhi di una creatura che crede erroneamente’sono solo un visitatore – e non un prigioniero. -K.P.
30. ‘Blacktop a due corsie’ (1971)
Monte Hellman’S Indie Road-Trip Classic è l’ultimo noir hot-rod esistenziale, con due rock star in una Chevy 150 del 1955: James Taylor è l’autista, il batterista di Beach Boys Dennis Wilson è il meccanico. Essi’Re una coppia di Hustlers hippie che rotolano in una nuova città, navigano le macchie locali per le auto muscolari in cerca di succhias. Laurie Bird è l’autostop che raccolgono sulla Route 66. Warren Oates è lo sconosciuto in una GTO che si fa strada nel loro viaggio; In una scena tesa, Oates li salva dai redneck odianti hippie con un po ‘di battute diffidenti. (“Certo, ti ho parlato.” “Certo, ti ho visto.”) Sia per Wilson che per Taylor, è stato uno scatto una tantum al cinema, ma loro’sono entrambi avvincenti. Se tutto quello che sai di JT è suo “Dolce bambino James” Immagine, il suo carisma meditabondo qui potrebbe scioccarti’Non sorprende che Joni Mitchell lo visitò sul set e venisse via i ritratti Per le rose. Blacktop a due corsie riguarda le gare che nessuno vince, su una strada nessuno fugge. -R.S.
29. ‘Strade cadenti’ (1973)
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Robert de Niro è stato nei film per così tanto tempo’è facile dimenticare un momento in cui era una giovane stella contratta, imprevedibile, quasi pericolosamente magnetica. La sua introduzione Slo-Mo a “Saltare nel’ Jack Flash” a Martin Scorsese’S Breakthrough Film, passeggiare in un bar con una ragazza sotto ogni braccio, è uno dei decennio’s più momenti cinematografici, dando il via a una collaborazione che ha sempre canticchiato con volatilità e potenziale esplosivo. Come ne’Er-do-well dagli angoli scuzzier di Scorsese’S Little Italia, il suo Johnny Boy Dooms Harvey Keitel’s Hoodlum di piccolo tempo, chi può’Smetti di dargli secondi possibilità fino al caos che lo trascina costantemente alla fine li ingoia interi. -S.T.
28. ‘Essendo lì’ (1979)
© United Artists/Everett Collection
Fai attenzione a un santo sciocco. Hal Ashby’La satira simile a una favola ci regala con Chance (Peter Sellars), un uomo semplice che ama i piaceri semplici, vale a dire guardare la televisione e tendersi al suo tutore’giardino. Lui’presto costretto a evacuare la sua casa di lunga data e, dopo un “opportunità” L’incontro con la limousine di un ricco socialite (Shirley MacLaine), diventa ospite e suo marito tycoon malato terminale (Melvyn Douglas). CHIBIETTO Il giardiniere alla fine diventa “Chauncey Gardiner,” un punto fermo di Washington D.C. alta società; Il suo pappagallo di slogan televisivi e banalità sulla piantagione di roseti è visto come saggezza popolare politicamente esperta. Perfino il presidente degli Stati Uniti (Jack Warden) inizia a cercare il suo consiglio. Il romanziere e sceneggiatore Jerzy Kosinki ha chiaramente un osso da scegliere con Celebrity Culture, TV’s influenza sulla vita di tutti i giorni e sui giocatori di potere così disperati da essere composti in quanto loro’confondi le disprezzi ignari di un uomo disabile mentalmente per l’intellettualismo a livello di think-tank. Eppure la gentilezza che Ashby e Sellars – in particolare Sellars – mostrano questo personaggio controbilancia la pura quantità di cinismo in mostra. La sequenza climatica, svolta il più casualmente possibile, è ancora sufficiente per un cratcher per suscitare argomenti su ciò che Ashby & Co. significato per quanto riguarda il “santo” parte dell’equazione. Quello che possiamo dire è che’è il tipo di finale che potrebbe averlo soltanto è successo alla fine del ’L’era cinematografica degli anni ’70, prima del prossimo decennio, faceva il fatto di cose come sfumature e ambiguità in disparte. -D.F.
27. ‘Guerre stellari’ (1977)
© Lucasfilm Ltd./Collezione Everett
Per la prima metà del ‘70S, Hollywood trasformò occidentali, orrore, immagini di gangster e quasi ogni altro genere B-Movie in qualcosa di oscuro ombreggiato e socialmente rilevante. Poi arrivò George Lucas con una saga di fantascienza frenetica e di benessere, ispirata a samurais, supereroi e piloti di caccia della Seconda Guerra Mondiale. La sua storia su un ragazzo della fattoria di gung-ho di nome Luke Skywalker (Mark Hamill), che impara le vie della forza e aiuta a salvare la galassia da un impero oppressivo, ha lanciato un franchising da molti miliardi di dollari e ha cambiato l’intero settore di successo. E tutto a causa di una semplice idea: cosa succede se qualcuno avesse applicato l’intelligenza, l’artigianato e l’entusiasmo dei film d’arte all’intrattenimento piacevole per la folla? -N.M.
26. ‘Cabaret’ (1972)
Dalla prima volta che vedi il riflesso inquietante di Joel Grey’S Maestro delle cerimonie, il suo viso dipinto nei colori innaturali di un pagliaccio, riconosci che Bob Fosse’S Drama ti sta trascinando in un mondo sotterraneo a differenza di qualsiasi altro. Se Tutto quel jazz è Fosse’s esorcismo personale, Cabaret è la sua seance demoniaca, mentre dà vita al mondo della Repubblica Weimar che viene lentamente infettata dal nazismo. Il regista ha preso la produzione teatrale del 1966 con la musica di John Kander e Fred Ebb, a sua volta basata su una commedia adattata da Christopher Isherwood’storie di S e inventato un nuovo modello per il musical del film. La storia di Sally Bowles (l’iconica Liza Minnelli) opera su due aerei di esistenza: c’è il mondo del Kit Kat Club, una sorta di spazio liminale per i numeri musicali e il mondo reale di citazione-unquote in cui il ventodonismo di Sally’s la vita cede il modo per il fascismo. Esso’è un film che’s agghiacciante quanto è toccante. —E.Z.
25. ‘Pomeriggio per la giornata del cane’ (1975)
Il 22 agosto 1972, tre ladri di banche nella vita reale hanno tentato di realizzare una rapina per pagare la mente John Wojtowicz’s amante’operazione di cambio di sesso. Hanno finito per fallirlo. Eppure il regista Sidney Lumet ha visto la storia’S Cinematic Appeal e ha avuto il buon senso di lanciare Al Pacino e John Cazale, entrambi calda il Padrino Film, in ruoli principali. Pomeriggio per la giornata del cane Si sente come più di un film di rapina, dal momento che mostra in modo olistico tutti i cavi (da parte dei ladri e degli sbirri), così come il caos a casa come Pacino’carattere s’S moglie e madre si rendono conto di cosa’sta andando avanti e il suo amante (Chris Sarandon) si colpisce il fuzz. La tensione si basa mentre i ladri vincono sui raccolti di Brooklyn astanti e incantano i media, portando a un finale rapido e sanguinoso. –K.G.
24. ‘Touki Bouki’ (1973)
Con questo primo trionfo per il cinema africano, il regista senegalese Djibril Diop Mambéty è esploso sulla scena internazionale come un discepolo di Jean-Luc Godard che ha legato l’invenzione irrequieta e la sperimentazione della nuova ondata francese a una storia regionale specifica di l’amour fou. I giovani amanti di Touki Bouki, Un cowherd (Magaye Niang) con una motocicletta corina e uno studente (Mareme Niang) di Dakar, sono stanchi della vita in Senegal, quindi cucinano schemi criminali per raccogliere fondi per arrivare a Parigi. Le loro buffonate fuorilegge portano a una gara tesa e rotonda dalla giustizia, ma la natura episodica della loro avventura dà a Mambéty la libertà di giocherellare con le convenzioni di colore, movimento e movie stradali, il tutto offrendo un vibrante viaggio del paese in cui sono’essere così ansioso di lasciarsi alle spalle. -S.T.
23. ‘L’ultimo valzer’ (1978)
Collezione United Artists/Everett
“È stato un peccato che Marty fosse’t gay,” Produttore ed ex fidanzata Scorsese Sandy Weintraub ha scherzato in Peter Biskind’S Juicy anni ’70 Hollywood Tell-All Cavalieri facili, tori infuriati“ “La migliore relazione che abbia mai avuto è stata probabilmente con Robbie.” Sarebbe Robbie Robertson, il carismatico frontman della band, che Scorsese è stato memorizzato dal punto di vista affettuoso in questo discarico di concerti chiassosi che racconta il gruppo’Spettation finale. Combinando le interviste alla band con i filmati del loro scoppio dello spettacolo del Ringraziamento del 1976 alla Winterland Ballroom – completo di posti per gli ospiti di Joni Mitchell, Bob Dylan, Neil Young, Van Morrison ed Eric Clapton – L’ultimo valzer non è’T solo un omaggio al quintetto americano ma anche a un’era classica-rock che sarebbe presto spazzata via da punk, discoteca e rap. Ogni membro della band ottiene alcuni momenti per brillare (riposa in pace, Rick Danko, la tua interpretazione di “Non fa differenza” è schiacciante), ma Scorsese’s chiare adorazione per il suo vecchio amico Robertson è palpabile, dandogli i riflettori sia sul palco che nei segmenti di intervista. Il frontman ha visto la sua band come mitica. L’ultimo valzer Incoraggia gli spettatori a stampare la leggenda. –T.G.
22. ‘Il conformista’ (1970)
Collezione per gentile concessione di Everett
Durante la sua carriera, il regista italiano Bernardo Bertolucci avrebbe realizzato diversi film sui personaggi spazzati via nelle forze della storia (L’ultimo imperatore, 1900) – ma questo thriller sorprendentemente evocativo sul fascismo che ha sequestrato il suo paese durante la seconda guerra mondiale si concentra sulle anime passive che lo rendono possibile. Come Marcello, un membro di Mussolini’S Secret Police, Jean-Louis Trintignant isn’T interpretare un fervido ideologo, ma un uomo debole la cui missione di assassinare il suo ex professore è scagliare da un interesse adultero per sua moglie (Dominique Sanda). Ci sono pochi film dell’epoca più belli da guardare, ma il vero successo di Il conformista è quanto bene esplora gli interni oscuri di un marcello’S Anima. -S.T.
21. ‘Incontri ravvicinati del terzo tipo’ (1977)
Un regista minore di Steven Spielberg potrebbe aver armeggiato il loro seguito Mascelle, Ma qualunque pressione provesse è del tutto assente sullo schermo. Incontri ravvicinati del terzo tipo è un mash-up estremamente fiducioso e insolito di fantascienza e dramma familiare, con il suo Mascelle Avatar Richard Dreyfuss che torna come un elettricista dei colletti blu la cui vita è indissolubilmente modificata da un incontro alieno. Quando ha colpito i cinema nell’autunno del 1977, Spielberg’S amico George Lucas aveva cambiato per sempre la fantascienza (e i film in generale) con quell’estate’S Guerre stellari. Ma Spielberg’Siandolo esplorazione di persone ordinarie che incontrano eventi straordinari è il suo tipo di corsa da brivido: riflessivo, pungente, impegnativo e impressionante. -J.B.
20. ‘Jeanne Dielman, 32 Quai des Commerce’ (1975)
Lo scorso dicembre, British Film Magazine Vista e suono chiamato Chantal Akerman’S Jeanne Dielman Come il più grande film di tutti i tempi, spingendo un’ondata di aspiranti cineasti per trasmettere questo classico femminista al più presto. Quello che hanno trovato è stata una seducente meditazione di due ore e mezza su come le faccende domestiche e la mancanza di opportunità si mettano via alle donne’vite s – anche una tappa industriale come Delphine Seyrig’S Dielman, una madre e vedovo che gira trucchi per un po ‘di soldi extra. Il film è incentrato su tre giorni nella vita di Dielman, ma l’effetto duraturo è il modo in cui il regista belga manipola il tempo e lo spazio degli appartamenti di clausura, attira incredibili atti di tensione ordinari come le patate sbucciate e straziano la tragedia da una vita normale andata in rovina. -M.R.
19. ‘Tutto quel jazz’ (1979)
Centro di licenza di 20th Century Fox/Everett
Voi’D non lo farebbe’T Charge Director/Coreographer/Broadway Godhead Bob Fosse con il crimine di modestia, non più di te’D Accusarlo di essere pigro o disinteressato ai piaceri edonistici – era qualcuno che mostrava una brillantezza creativa assoluta, bruciava dozzine su dozzine di ponti e si bruciò in nome della vita vivente a 120 miglia all’ora. Tutto quel jazz è tutto su quella ricerca infinita: delle donne, del lavoro, dell’ispirazione e dell’oblio. Esso’s anche il pedaggio che assume l’artista, i suoi collaboratori e i suoi cari. Roy Scheider’S Joe Gideon sta lavorando sia a un musical di Broadway che a un film su un fumetto allo stesso tempo. (Eventuali somiglianze con Fosse’s Produzione originale di Chicago o il suo film biografico su Lenny Bruce è completamente casuale.) Lui’è un figlio bugiardo, imbroglione, fumatori a catena, pliping di pillole di cagna; Il regista sta essenzialmente scrivendo la sua autobiografia sullo schermo. Eppure lui’S anche prendendo una forma teatrale, ha contribuito a rivoluzionare e spingere le sue fantastiche qualità ancora più in nome dell’autoriquenza. Solo Fosse avrebbe potuto trasformare una resa dei conti per il suo stile di vita autodistruttivo in un ritratto di un artista, costoso Jessica Lange come morte. E solo Fosse avrebbe potuto darci lo spettacolo “Ciao ciao amore” Numero di chiusura, in cui Scheider e Ben Vereen condividono il palcoscenico con le arterie danzanti mentre il nostro uomo si trascina da questa bobina mortale. L’ultimo taglio sembra ancora uno schiaffo freddo in faccia. -D.F.
18. ‘Il lungo addio’ (1973)
Collezione per gentile concessione di Everett
“Esso’sta bene con me.” Con quella broncio mormorato-fatto tra i soffi di una sigaretta sempre presente-Phillip Marlowe (Elliott Gould) ha espresso la stanchezza di una generazione per la quale la permissività si era cagliata nel cinismo. Lui’S sulla traccia di quello che sospetta di essere l’omicidio di un vecchio amico, anche se questa versione di Raymond Chandler’S Gumshoe è l’ultimo uomo di principio nelle vipers zonked-out’ nido di ‘Los Angeles degli anni ’70. (Lui’S certamente l’ultimo a indossare una cravatta.) Marlowe’s man-out-of-time Aura riflette anche il film’S team creativo intergenerazionale: Il lungo addio è stato scritto da Leigh Brackett (che si è adattato Il grande sonno per Bogey e Bacall nel 1946), e diretto da Robert Altman, che ha descritto la sua interpretazione iconoclastica del classico antieroe come “un perdente fino in fondo.” -K.R.
17. ‘L’esorcista’ (1973)
© Warner Bros/Everett Collection
Anche dopo mezzo secolo, L’esorcista rimane il film più spaventoso di tutti i tempi a causa del modo in cui Ellen Burstyn ha interpretato una madre’S impotenza. Il suo personaggio, l’attrice Chris MacNeil, si rende lentamente conto che la figlia di 12 anni (Linda Blair) è’t Agire in modo irregolare – potrebbe ben possedere dal diavolo. Quindi il pazzo Chris deve superare il suo agnosticismo e chiedere aiuto ai sacerdoti mentre sua figlia gira la testa di 360 gradi come un gufo, proiettile vomita la zuppa di piselli e pugnala il cavallo con un crocifisso. I sacerdoti si sentono altrettanto indifesi, non importa quante volte si ripetono, “Il potere di Cristo ti costringe,” e il ponte che costruiscono tra le funzioni di credenze e incredulità e qualsiasi immagine’S Effetti speciali (che sono ancora scioccanti e visivamente sbalorditivi) nel creare William Friedkin’S horror film un classico duraturo e senza partite. –K.G.
16. ‘Apocalisse ora’ (1979)
© United Artists/Everett Collection
“Volevo una missione e per i miei peccati, mi hanno dato una.” Francis Ford Coppola aveva inizialmente deciso di trasformare John Milius’ Script – che traspose Joseph Conrad’S novella Cuore di tenebra sul paesaggio del Vietnam in tempo di guerra-in un’epopea vecchio stile. Quello che ha finito è stato un sogno di febbre cinematografica, pieno di ossessivi di surf-ho gung-ho ossessivi, coniglietti di playboy che girano, colonialisti francesi spettrali e Marlon Brando a Greenface. A Martin Sheen viene dato l’ordine di andare in profondità nella giungla e “Sterminare, con estremo pregiudizio,” un ex berretto verde che’è impazzito e si è modellato. Insieme a una troupe in barca, lui’Navigherà attraverso alcune delle immagini più surreali che abbiano mai abbellito un film di guerra di grande budget, fino a quando non raggiunge l’ufficiale canaglia’composto s. E la merda ottiene Veramente Strano. Il caos sullo schermo era più che abbinato al caos che accadeva dietro le quinte e Coppola ha affermato che il film non riguardava il Vietnam, esso era Vietnam. Eppure rimane sia un punto di riferimento che un ultimo sussulto di nuovo auteurismo di Hollywood, oltre a incapsulare singolarmente la follia, la caduta morale e l’orrore – il orrore! – di vita durante la guerra. E anche se’s Disponibile nelle ricette originali ed extra-croccanti, raccomandiamo vivamente il recente “Goldilocks tagliati” Come la tua versione preferita. -D.F.
15. ‘Celine e Julie vanno in barca’ (1974)
Il leggendario regista di New Wave francese Jacques Rivette’Il film più delizioso decolla Alice nel paese delle meraviglie e Henry James, e finisce per trasformarsi in un nuovo tipo di film che nessun altro avrebbe potuto immaginare. Celine (Juliette Berto) è un bibliotecario; Julie (Dominique Labourier) è un mago. Diventano anime gemelle non appena si incontrano in un parco di Parigi, entrando a vicenda’s immaginazione e condividere le loro fantasie più surreali. Insieme, inventano la loro nuova realtà mentre vanno avanti, sognando in un’avventura in cui salvano una bambina in una casa infestata. Il film è una lettera d’amore gioiosa all’idea dell’amicizia come a Folie a deux, Un gioco in scena in scena elaboratamente e una meditazione unica nel suo genere su come gli esseri umani possono regalarsi a vicenda poteri magici. E nonostante il blocco di 3 ore e 20 minuti, esso’è troppo presto. -R.S.
14. ‘Eraserhead’ (1977)
Girato in modo stop-and-start per diversi anni come consentito il tempo e il denaro, David Lynch’Il debutto del film ha annunciato l’arrivo di un regista di tutto formata, uno più interessato a spingere gli spettatori in strani territorio della sua stessa creazione che incontrarli su un terreno familiare. Henry (Jack Nance) è un timido Everyman che vive in una terra desolata (ispirata a Lynch’tempo di tempo che vive in un quartiere industriale in decomposizione a Filadelfia) e chi’S Completamente impreparato per le responsabilità del matrimonio e della paternità, entrambi rappresentati da Lynch come incubi cupamente comici da cui Henry non può mai sfuggire. Eraserhead Mostra una purezza e una fiducia della sua visione ora lo fa sembrare una Wellspring per i film di Lynch che seguirono. I suoi elementi visivi in arresto, il sound design aggressivo e il surrealismo casual e casalingo lo hanno reso un colpito di culto al culmine del circuito del film di mezzanotte. -K.P.
13. ‘Monty Python e il Santo Graal’ (1975)
Monty Python aveva fatto una commedia da sextuple in corso dalla vecchia scuola, battute di configurazione e punta nel territorio più strano quando hanno tentato un lungometraggio con Il Sacro Graal, che divenne un trionfo in assurdità. Nella loro rivisitazione surrealista della leggenda arturiana, il folle re (Graham Chapman) non ha un cavallo se non un lackey che mette insieme le noci di cocco, richiedono i cavalieri nefasti … un arbustico e gli investigatori dei giorni nostri indagano su tutto il film’s perizioni. E, almeno in Python’S Reality, i francesi sono ancora scortesi. Il film era’t The Blockbuster I suoi finanziatori – Led Zeppelin, Pink Floyd e Jethro Tull’S Ian Anderson – probabilmente sperava, sebbene la mancanza di successo fosse “Solo una ferita da carne.” Diventerebbe un degno successo di culto la cui eredità continua a crescere (ahem, Spamalot). –K.G.
12. ‘Tutto il presidente’S uomini’ (1976)
Esso’s rischioso per rendere un film che drammatizza un evento storico solo quattro anni dopo che è successo. Alan J. Pakula non solo ha dimostrato che può essere fatto, ma che potresti farlo in un modo che potrebbe sopportare la prova del tempo. Sappiamo molto di più ora sulla pausa Watergate di quanto abbiamo fatto nel 1976 quando Tutto il presidente’S uomini è stato rilasciato per la prima volta, inclusa l’identità della gola profonda – eppure non è’t fermare pakula’S Thriller su Woodward e Bernstein’S rivoluzionario Washington Post Indagine da essere il capolavoro che induce l’ansia che così tanti altri film di giornalismo aspirano ad essere. Robert Redford (con la sua alta vespa) trasforma Bob Woodward nel foglio perfetto per Dustin Hoffman’S nervoso Energia come Carl Bernstein; Insieme, fanno rispondere al telefono l’attività più eccitante che abbia mai avuto luogo sullo schermo. E per quanto tempo non si è rivelato essere, esso, esso, esso’s anche uno dei più tipici ’Film degli anni ’70 – non solo in materia ma nella paranoia emana. —E.Z.
11. ‘Alieno’ (1979)
Dopo l’equipaggio dell’astronave Nostromo è inaspettatamente mescolato dalla stasi prima del loro viaggio’S programmati, si svegliano a malapena prima dell’inizio delle lamentele. Come Stella nera (Un altro film con un Dan O’Bannon Script Credit) prima di esso, Alieno offre una visione di viaggi interstellari che’s più workaday macint che cosmico meraviglia – fino a quando, cioè l’equipaggio assume un passeggero inaspettato sotto forma di una creatura parassita. Si inizia nidificando all’interno di un membro prima di esplodere dal petto; Quindi lentamente, inizia metodicamente a ritirare gli altri. Lo spazio, si scopre, non è un posto rimosso dalla lotta darwiniana. Il contrasto tra Alieno’S metallico, artificiale (se sgargiante) e uno xenomorfo con un imperativo biologico da uccidere è solo un elemento che’S ha fatto questo film di Ridley Scott se stesso negli incubi di tutti coloro che lo vedono. (H.R. Giger’S Creature Design – un inquietante assemblaggio di ossa, goo e immagini sessuali – è un altro.) Sigourney Weaver’S Ripley inizia il film come solo uno dei numerosi personaggi minacciati dalla nave’S interloper, entro la fine del film, lei’d assicurarsi il suo posto in qualsiasi lista di fantascienza’S sono i più grandi eroi. La vita è per i sopravvissuti. Anche gli xenomorfi lo capiscono. -K.P.
10. ‘La conversazione’ (1974)
Nei tempi di inattività tra i primi due Padrino Films, Francis Ford Coppola ha realizzato un diverso tipo di capolavoro, uno che ha sfruttato l’umore paranoico del momento. Gene Hackman recita come Harry Caul, un esperto di sorveglianza con sede a San Francisco il cui ultimo incarico-interrompendo una coppia che cammina attraverso un parco traffico del centro-presenta una sfida professionale irresistibile e minaccia di attirarlo in un mistero mortale. Esso’S un thriller elegante, esplorando come i progressi tecnologici stavano distruggendo i limiti della privacy; e una rappresentazione ossessionante di alienazione e disintegrazione, in cui Harry scopre le pareti lui’eretto per proteggersi dal resto del mondo può, in effetti, essere una trappola. -K.P.
9. ‘McCabe e Mrs. Mugnaio’ (1971)
Molte persone avrebbero dato un’occhiata alla città mineraria della chiesa presbiteriana e non avrebbero visto altro che uno shithole di frontiera. John McCabe, tuttavia, vede l’opportunità. Insieme a un altro recente arrivo-una donna britannica di nome Constance Miller-stabilisce una puttana di alta classe e soddisfa le esigenze carnali di approvvigionamento dei lavoratori e dei locali. Il loro duo’S Modello di business di successo attira l’attenzione di una società mineraria aziendale, che vuole acquistarli. McCabe e Mrs. Miller rifiuta l’offerta. Quindi le cose diventano violente. Robert Altman’S tenta di fare agli occidentali quello che ha fatto ai film di guerra MISCUGLIO è pieno del regista’s di firma tocchi: un grande cast di ensemble, dialoghi sovrapposti che sembra provenire da ovunque ma da nessuna parte, una lente zoom che rischia di scambiare per un tom che fa capolino. Eppure la sua solita irriverenza è intrecciata da un fatalismo che né la coppia di cinema della vita reale Warren Beatty e Julie Christie né i lampi di umorismo funky possono lavarsi via. Prende che la maggior parte dei generi e confusione americani le sue acque (e le sue immagini), celebra un senso di comunità di improvvisazione e maverick prima di macinarlo sotto lo Booteel dello stabilimento. Il gioco finale è una foschia o una morte alimentato dalla droga. Questa è l’America. -D.F.
8. ‘Mascelle’ (1975)
Il momento del Big Bang per l’era di successo, Steven Spielberg’s fenomeno horror rimane una master class nella costruzione di suspense alimentando il pubblico’S Immaginazione per un terrore che si nasconde principalmente alla vista. Ma a credito Mascelle Con l’ascesa di intrattenimento Big Budget, basato sugli effetti, è per perdere tutto: il regista’S famosi lotte con uno squalo meccanico alimentato in una brillante strategia di prendere in giro la presenza di un grande bianco senza trasformare le spiagge di Amity Island in un raccapricciante buffet. Attraverso colpi di reazione con gli occhi spalancati, un’azione fuori dallo schermo e le stringhe minacciose di John Williams’ SCOPO, Spielberg rende le parti meno costose le parti più efficaci, stabilindosi fermamente come il direttore in studio più naturalmente dotato della sua generazione. Che ha anche cambiato il paesaggio del moviemaking e ha aggiunto un tocco di terrore alla vacanza in spiaggia americana è stato semplicemente un bonus. -S.T.
7. ‘Tassista’ (1976)
Collezione Everett / Everett Col
Martin Scorsese’Il capolavoro è molte cose contemporaneamente: uno studio di personaggio preciso, un ritratto devastante di solitudine, un sottile commento sulla ricaduta psicologica della guerra del Vietnam, un film di macinazione che spruzza il sangue, una commedia per ufficio stravagante. (Albert Brooks’S Tom e Cybill Shepherd’S Betsy erano i Jim e Pam della loro giornata.) Soprattutto, esso’S un’istantanea di New York City nel suo Nadir Urban Hellhole, girato durante l’estate notoriamente afosa del 1975, nel mezzo di uno sciopero della spazzatura, proteste della polizia e crisi del bilancio (il “Ford to City: Drop Dead” Il titolo ha colpito il New York Daily News Quella autunno). Scorsese’S Picture vanta sia la stilizzazione immacolata che la tua verisimilitudine, per quanto. E Robert de Niro’la performance come disturbata tassista Travis Bickle è ancora una delle sue più brucianti. -J.B.
6. ‘Chinatown’ (1974)
Ci sono molti film su Hollywood, ma pochi catturano il peccato originale di Los Angeles con precisione che strappa la pelle come Roman Polanski’S Neo-Noir, ambientato negli anni ’30 che si aprirà la LA’sra terra per rivelare il pozzo umano che lo guida. Scritto da Robert Towne, il film segue Jack Nicholson’S Jake Gittes, un occhio privato su quello che pensa sia un semplice caso da tradimento. Invece, lui’S trascinato nel mondo infernale di Los Angeles Water Politics, seguendo il seducente ma misterioso Evelyn Mulwray (Faye Dunaway), i cui segreti sono molto più scuri di qualsiasi cosa avrebbe potuto immaginare. Towne e Polanski usano il crimine di come la città infastidita da siccità ha importato acqua attraverso il mal. Le immagini sembrano segate, l’illuminazione aspra associata a noir che lascia il posto a una luce quasi oppressiva. Esso’s un film che ti fa sentire icky – come i bravi ragazzi non potranno mai vincere. E quello’è solo l’intenzione. —E.Z.
5. ‘Il Padrino’ (1972)
Se lui’D sono nato in un’altra famiglia, forse Michael’S la vita sarebbe andata diversamente. Ma lui’s un corleone, e lì’è solo un percorso per lui. Negli ultimi 50 anni, lo splendido primo capitolo di Francis Ford Coppola’L’epica mafia indelebile è stata conferita a ogni superlativo. (Il film’è così leggendario fabbricazione è stato trasformato in una sontuosa miniserie di Paramount+.) Eppure, potresti ancora non essere preparato per l’acciaio di brillantezza di Al Pacino’Performance di Michael, un uomo che insiste per il suo vero amore Kay (Diane Keaton) che lui’S Niente Come gli altri membri del suo clan mafioso. Eppure eccolo, sedotto dal potere e dall’obbligo, ripristinando il Corleone’è in piedi una volta che il suo amato padre Vito (Marlon Brando) viene ucciso dai loro nemici. A questo punto, Il Padrino’I temi e le idee sono stati completamente assorbiti dalla cultura, al punto che anche quelli che non hanno mai visto questa potenza li conoscono a memoria. Ma guarda oltre l’esplorazione spesso elaborata (e ancora eccezionale) del lato oscuro del sogno americano e tu’scoprirò un dramma criminale straordinariamente divertente, moralmente serio, cupamente divertente’s anche una delle saghe più agghiaccianti mai realizzate. O. Il pubblico ansimò mentre guardavano Michael’s orribile ascensione al trono mentre contemporaneamente è emozionante a assistere a uno di questo paese’S più grandi attori che annunciano il suo arrivo. –T.G.
4. ‘Nashville’ (1975)
Dai crediti di apertura degli annunci pubblicitari allo scellino onnipresente “Festa di sostituzione” Candidato Hal Philip Walker, Robert Altman’Il capolavoro di S Mid-Career parla della vendita dell’America, con l’attrazione intersezionale di fama, denaro, sesso e politica sul palco nella musica country’Capitale. Esso’è tutto agghiacciante contemporaneo, in particolare il “Tennessee Twirlers,” Guardie a colori in età scolare che girano allegri a forma di fucile. Tra bandiere confederate e insulti razziali, ci sono anche molti altri trigger. Ma poco si sente gratuito in Joan Tewkesbury’S script prismatic. E se lo è’è difficile discernere la parodia dalla sincerità nella musica, credito agli attori del songwriting, tra cui Ronee Blakely, Karen Black e Keith Carradine (che’D grafico con la colonna sonora’S “Esso’è facile”). A 180 minuti, con due personaggi significativi all’incirca’S un capolavoro di compressione narrativa che vale una mini-serie. —La Hermes
3. ‘Killer di pecore’ (1978)
Film e video di Milestone Film & Everett
Charles Burnett ha girato il suo film di riferimento Killer di pecore Come studente dell’UCLA – dove faceva parte di un gruppo di cineasti neri che lo studioso Clyde Taylor in seguito ha leonizzato come L.UN. Ribellione – e lo ha finito come parte del suo padrone’tesi. Lo ha sparato in una cinematografia in bianco e nero stark ma meraviglioso e l’ha centrata sulle trame: Stan, interpretato dall’attore del personaggio Henry G. Sanders, lavora in un macello, un lavoro che gli lascia poca energia per prendersi cura di una moglie amorevole ma frustrata interpretata dal defunto attore Kaycee Moore e dai loro due bambini ribelli. Una manciata di scene spingono in avanti il film di 80 minuti, tra cui una sequenza in cui Sanders e il suo amico Eugene (Eugene Cherry) cercano di portare i loro partner in una gita di un giorno tanto necessaria in pista, solo per la loro auto a metà strada. Ma Burnett è meno interessato alla narrazione convenzionale piuttosto che illustrare la sua città natale di Watts, una comunità della classe operaia ancora sfregiata dalle rivolte del 1965 e un po ‘vivace con bambini inventivi, adulti stanchi ma risoluti e occasionali criminalità. Disponibile la cornice con attori non allenati strappati dal quartiere, portando a famosi momenti come un moggio di ragazzi che saltano attraverso i tetti degli appartamenti con poca cura del mondo, rendendo divertenti e giocate praticamente nient’altro che spirito. -M.R.
2. ‘Selle ardenti’ (1974)
Nel postumi di una sbornia del Vietnam/Watergate degli anni ’70, ogni mossa fatta dall’America sembrava l’ultimo atto di un uomo disperato. Ma Mel Brooks non lo ha fatto’Tire se fosse il primo atto di Henry v. La sua parodia di western è un burlesque rivoluzionario di u.S. Storia, presentando il vecchio West come uno slapstick di razzisti, baroni ladri, nitwits, mezze maglie, dimwits e metodisti. Cleavon Little Is Black Bart, il nuovo Sherriff afro-americano nella città di Rock Ridge. Gene Wilder è il suo compagno di cowboy ebreo, il ragazzo Waco. Insieme, si calpestano dappertutto i miti più amati dell’eccezionalità americana – anche le dolci vecchie donne sono bigotti odiosi. Questo era Richard Pryor’la prima volta in un scrittore’ stanza, dove ha in gran parte creato Bart; La sua passione per animali domestici, tuttavia, era Alex Karras’ Strong Man Thug Mongo. (Fu Pryor a dare “Mongo solo pedone in Game of Life.”) Madeline Kahn – Un cantante virtuoso che’D ha fatto il suo debutto a Broadway in Baciami Kate -Suona la seduttrice del salone sorda Lili von Shtupp, con il suo tragico lamento, “IO’sono stanco.” Brooks era già una leggenda della commedia, sin dal classico TV Il tuo spettacolo di spettacoli, Ma questo è davvero il luogo in cui si è guadagnato la sua alloro (e abbondanza abbondante). Quasi 50 anni dopo, Selle ardenti è ancora il Candygram in esplorazione del cinema degli anni Settanta. -R.S.
1. ‘Il padrino parte II’ (1974)
Esso’s la risposta di fatto “Quali sequel sono buoni o migliori degli originali?” e uno dei pochi follow-up di un film vincitore dell’Oscar che finirebbe anche per colpire il premio per il miglior film. Pensare a Francis Ford Coppola’continua la continuazione della saga di Corleone come solo un “Seconda parte,” Tuttavia, è quello di dare sia il film che il suo creatore breve. Lo scrittore-regista era’Sono persino appassionato di fare un sequel al suo successo di successo; Stava ottenendo così tanta pressione dai suoi produttori e dallo studio per ripetere il successo del suo film di gangster che gli è stata essenzialmente data un’offerta che non ha potuto’T … beh, sai. Fortunatamente, aveva un asso nella manica. “IO’D ho giocato con l’idea di fare un film su un uomo e suo figlio e cercare di confrontare le loro storie quando entrambi erano alla stessa età,” Coppola ha detto diversi anni fa. “Era solo questa idea che avevo fluttuante … totalmente a parte la prima Padrino film. Ma ho pensato che potesse funzionare per questo.”
Ciò che il regista riuscì a realizzare intrecciando le storie del giovane Don Corleone (interpretato da Robert de Niro) che cercava la sua fortuna nei primi anni del 1900, e il più vecchio Michael Corleone (Al Pacino) che consolidano il suo impero alla fine degli anni ’50, è a dir poco miracoloso. Vediamo gli inizi di quella che diventerà una dinastia criminale, formata dagli immigrati come mezzo di protezione e rafforzamento comunitario. Vediamo anche cosa’S è successo a quella dinastia mentre l’attuale Corleone-in-Charge scende in paranoia e si spegne dal mondo intorno a lui. E il dove lasciamo entrambe le storie, con un patriarca che torna a casa a una cena celebrativa e l’altro completamente da solo, seduto in cima a un regno di polvere, dice tanto sulla nostra nazione’s Confiemted Character come ha fatto l’originale sull’esperimento americano.
Come il primo Padrino, Seconda parte offre prestazioni incredibili (in particolare Lee Strasberg’S Wily Hyman Roth e John Cazale, il cui Fredo è particolarmente straziante questa volta), scene indimenticabili di ironia e violenza, un’abbondanza di linee quobili (“Noi’essere più grande di u.S. acciaio”). Quello che ricordi di più, tuttavia, è il modo in cui traccia il divario tra il suo ottimista “Poi” e la sua versione cinica e caustica “Ora.” C’era una volta in America, un uomo ha fatto quello che doveva prendersi cura della sua famiglia. Una generazione dopo, un uomo avrebbe ucciso i suoi parenti per proteggere la famiglia “Attività commerciale.” Le tute avevano chiesto una ripetizione e un sequel. Invece, Coppola ha dato loro una saga in miniatura e una grande tragedia americana scritta in grande nel sangue e nelle lacrime. -D.F.
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